La Jetée 1962

“Esta es la historia de un hombre marcado por una imagen de su infancia” / La Jetee 1962

SECUENCIA DE LA JETÉE

En contexto

Género: Fantástico
Dirección: Chris Marker
Guion: Chris Marker
Reparto: Jean Negroni, Davos Hanich, Helene Chatelain , Jacques Ledoux

Dirigida por el enigmático Marker La Jetee  (El muelle)  es un clásico del género fantástico que conserva su capacidad de impresionar al espectador pese a que es el remake de Terry Gilliam, 12 monos (1995) , le haya hecho sombra. No obstante, las dos películas no podrían ser más diferentes.
Con menos de 30 minutos de duración y compuesta casi por completo por fotografías fijas, La Jetée describe el viaje de un hombre al pasado , dónde presencia un trágico acontecimiento que determina su vida desde la infancia .

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Un sueño casi olvidado

Mundo post apocalíptico que presenta esta película no es desasosiega de manera sutil. La dulce Voz del narrador introduze al espectador en la piel del protagonista, mientras oye los murmullos que los científicos amorales que urden sus planes este es el único diálogo de la película.
Viene precisamente en este silencio y de la inmovilidad.
En este film el viaje en el tiempo sirve de pretexto para examinar la naturaleza de la memoria. El protagonista observa y vive momentos del pasado, una visita a un museo, una cita amorosa y sobre todo el suceso traumático que ha forjado su carácter. Sin embargo el hecho de ser consciente de este suceso diluye su realidad. La película sugiere que lo que pertenece al pasado no existe más que como una breve imagen instantánea, una fotografía, de imágenes fijas para estructurar la historia. El viaje emocional del protagonista queda compensado por la reflexión filosófica en uno de los finales del mundo más inimaginables que ha mostrado jamás el cine.

Se realizó filmando una serie de fotografías que dan contexto a la narración que las acompaña y apenas cuenta con una breve secuencia de imágenes en movimiento.

12 monos (1995), de Terry Gilliam, se inspiró en La Jetée.

*David Bowie también se inspiró en esta película para el videoclip de la canción Jump, They Say (1993), dirigido por Mark Romanek.

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Chris Marker

 1921–2012

Christian François Bouche-Villeneuve

Chris Marker nació el 29 de julio de 1921 en Neuilly-sur-Seine, Hauts-de-Seine, Francia como Christian François Bouche-Villeneuve. Fue director y escritor, conocido por Doce monos (1995), Sans soleil (1983) y Description d’un combat (1960).

Murió el 29 de julio de 2012 en París, Francia.


Antes
1953 Marker trabaja con Alain Resnais en el controvertido sí sobre el arte africano: Las estatuas también mueren

Después

1977 en Le Fond de l`air est rouge , Marker documenta el radicalismo político tras las revueltas de mayo de 1968

1983 Marker amplía los límites del documental con Sans Soleil una reflexión sobre la historia del mundo y la incapacidad de la memoria para recuperar el contexto y los matices.


Filmografía adicciónal

El último hombre vivo 1971
Cuando El destino nos alcance 1973
Mad Max 1979
12 monos 1995
La carretera 2009


Información extraida: * Wikipedia, * El libro del Cine.

Género: road movie
Dirección: Dennis Hopper
Guion: Peter Fonda, Dennis Hopper , Terry Southern.
Reparto: Peter fonda, Dennis Hopper, Jack Nicholson

Easy Rider 1969
Son pocas las películas que han reflejado mejor una época que Easy Rider coma de Dennis Hopper y Peter Fonda, la quinta esencia de la Road movie estadounidense, protagonizada por dos jóvenes, medio hippies , medio delincuentes, que, a lomos de su Harley Davidson emprenden un viaje hacia la libertad.


 

El final de la década de 1960

La película no presenta un argumento real ni un viaje emocional. Aunque su simbolismo puede parecer pasado de moda, su valor de testimonio de la cultura de su tiempo es innegable.

Estrenada en 1969, cuándo  los jóvenes proclamaban su rechazo a los valores de la generación anterior dejándose el pelo largo y refugiándose en la música y las drogas Easy Rider reflejó este estado de ánimo y fue aún más allá.
Peter Fonda, productor, co- guionista y protagonista de la película, concibió el proyecto tras haber interpretado a un líder de una banda de moteros en<.  “Los Ángeles del Infierno “ (1966)
Y a un publicitario adicto al LSD en “The Trip “ (1967) dos films que tuvieron una entusiasta acogida entre los jóvenes. Parecía lógico que el siguiente paso fuera unir los dos temas , moteros y drogas, en una misma película.
Fonda escribió el guión con Terry Southern y Dennis Hopper, también co-protagonista y director. Al principio la decisión de nombrar director a Hopper pareció nefasta coma ya que el rodaje amenazaba con estancarse entre atracones de droga y peleas a gritos , y fonda estuvo a punto de tirar la toalla, pero quizás fuese esa misma anarquía la que hizo de Easy Rider un símbolo de su época. Hopper sentía que formaba parte de una revolución, y la naturaleza caótica del proyecto era un gesto de rebelión.

Se dice que el metraje final duraba unas 3 horas. Hopper decidió cortar detalles de la historia hasta dejar una serie de imágenes y momentos más o menos conexos, unidos por una banda sonora atronadora.

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De oeste a este

Los protagonistas parecen vaqueros modernos cabalgando en sus Harley Davidson en busca de la libertad. Incluso sus nombres Wyatt (Peter Fonda) y Billy (Dennis Hopper) recuerdan a los héroes del Oeste Wyatt Earp y Billy el Niño. En realidad son traficantes de drogas a la deriva que se dirigen al este porque el Salvaje Oeste ya no existe.
Sus alforjas están llenas de dinero que han ganado vendiendo droga, e incluso el abogado borracho (Jack Nicholson) que se les une por el camino acaba pareciendo mucho más rebelde que ellos.

El título del film evoca la imagen de unos motoristas rodando relajados, pero de hecho es una expresión en argot que designa a un hombre que vive de una prostituta.
La cruda violencia de Easy Rider hace que la película no sea un viaje hippie sino una incoherente explosión de frustración la expresión del fin del idealismo de la generación anterior.


  • Antes:  (de Easy Rider)

1953Marlon Brando encarna al líder de una banda de moteros en “salvaje” , primera película en qué aparece el personaje del delincuente en moto.
1960– Al final de la escapada de Jean- Luc-Goddard, prefigura Easy Rider con la huida por carretera y con los saltos de montaje.

  • Después:  (de Easy Rider):

1976– Easy Rider inspira numerosas road movies como “En el curso del tiempo” de Wim Wenders.


Dennis Hopper – Actor y director

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Actor , escritor , director y fotógrafo, Dennis Hopper fue una de las figuras más polifacéticas e impredecibles de Hollywood.

Nacido En 1936 en Dodge City (Kansas ) , demostró muy pronto sus dotes artísticas y estudio en el Actors Studio de Nueva York con el legendario Lee Strasberg.

Hopper comenzó trabajando en televisión, pero no se hizo famoso hasta que dirigió y protagonizó Easy Rider. Posteriormente, el consumo de alcohol y drogas frenó su ascenso, aunque dirigió y protagonizó el excelente drama Punk “Caído del cielo” . Al final, tras someterse a un programa de rehabilitación en 1983, su carrera volvió a despegar gracias a su magnífica interpretación en filmes como Terciopelo azul y en varios papeles de malo.
Falleció en 2010 cómo consecuencia de un cáncer de próstata.


  • Películas principales
    1969 – Easy Rider
    1979 – Apocalipsis now
    1980 – Caído del cielo
    1986 – Terciopelo azul

Titulo: Viaje a la Luna
Género: Ciencia ficción
Dirección: George Meliés
Guión; George Meliés a partir de novelas de Julio Verne y HG Wells ( sin mención en los créditos)
Reparto: George Meliés, Bleuette Bernon, François Lallement , Henry DeLannoy.

Tal como su título indica viaje a la Luna , de 12 minutos de duración, es un relato fantástico dónde se visualiza cómo un grupo de astrónomos tras deliberar en una reunión deciden construir un enorme cañón con el objetivo de ser lanzados rumbo a la luna. Desde luego lo consiguen y una vez allí caen en manos de sus habitantes: los selenitas. Son llevados ante su rey, pero consiguen escapar y regresar a la tierra, una vez allí todo son honores y se realiza un desfile en el que exhiben a un alienígena.

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Trucos de magia
Algunos pioneros como los hermanos Lumiere, vieron en el cine un logro científico, un medio para documentar la realidad. En cambio para el también francés George Melies, era una nueva forma de realizar trucos de magia. Ilusionista por vocación experimenta con las imágenes .

Inicia una serie de películas en las que filma los números de magia que se realizan en su teatro, aplicando trucos y soluciones técnicas propias del cine.

Ciencia ficción / Sátira
Viaje a la Luna fue la primera película inspirada en las populares novelas científicas de Julio Verne y HG Wells.

Para muchos amantes del género, “Viaje a la luna” fue también la primera pelicula de ciencia ficción (ya que Melíes estableció la iconografía básica del cine de este género) no obstante hay quién prefiere obviar ésto objetando que, Meliés no tenía en mente inventar nada, sólo huir de los tópicos mediante una comedia disparatada que se burla de los logros de la Europa occidental industrializada.

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Imagen de Viaje a la luna

Ante la cámara de Meliés los hombres de ciencia se muestran como chiflados destructivos. Bajo el liderazgo del profesor Barbenfouillis (interpretado por el propio Melies), riñen, se mueven de aquí para allá y al alunizar su cohete se le clava a la Luna en un ojo. Tras su llegada siembran el caos en el reino de los selenitas (a los que tratan como salvajes sin cerebro) y si vuelven a casa, es solo por accidente. En la escena final, la gente celebra su regreso danzando en torno a una estatua de Barbenfouillis. Su inscripción reza “labor omnia vincit” (el trabajo todo lo vence) lo cual visto el caos precedente, adquiere un matiz claramente irónico. *


Y EN MI OPINIÓN…

En mi humilde opinión y teniendo en cuenta que no soy ningún especialista en cine , creo que toda confusión y especulación derivada en torno al género  de éste film precursor , es una cuestión de etiquetas, que, como siempre, siguen surgiendo más y nuevas con el paso de los años, de modo que cada vez nos resulta más difícil encasillar. Tendemos a hacer grupos, sub-grupos y mini-grupos creando subgéneros y catalogando con un excesivo afán de “orden milimétrico ” y aunque se hace con miras a establecer un orden lógico , creo que, con frecuencia, tendemos a crear un absoluto caos, de modo que el etiquetado causa más confusión que otra cosa por las controversias que genera. finalmente cada cuál lo clasificará a su modo y bajo su propio punto de vista, éste etiquetaje no habrá sido útil. En obras tan antiguas como viaje a la luna la dejaría en el estante de los Precursores, bien entiendo que puede calificarse tanto de comedia como de ciencia ficción fijándome en el año en que fue realizada.

Por otro lado Melié presenta el lado más tirano del ser humano. No es ningún extremismo crear la figura de un científico que intenta ir  más allá de lo que debiese… (hay muchísimos de ellos que se hallan inmersos en el desarrollo de diabólicas armas de destrucción masiva en éste mismo instante), no es ningún extremismo reflejar a los hombres como colonizadores destructivos pues en cierto modo, y por desgracia, hemos de admitir que lo somos. Tampoco es extremo que tratemos a los que son diferentes a nosotros como “salvajes descerebrados” eso también lo hemos hecho en multitud de ocasiones sólo hay que echar un vistazo a la historia de la humanidad, de la que parece ser, no aprendemos nunca nada.


Antes (de “Viaje a la luna”)

1896La mansión del diablo de Meliés rebosante de trucos, suele considerarse la primera película de terror.
1899Cenicienta es la primera película en la que Melié narra una historia en varias escenas.

Después (de “Viaje a la luna”)

1904 – Meliés adapta otra obra de Verne en Viaje a través de lo imposible, donde unos sabios viajan al sol en un tren de vapor.


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George Meliés

Georges Melies – Director.

En sus primeros cortometrajes George Meliés experimento con las técnicas teatrales y los efectos especiales que, como ilusionista dominaba. Uso la cámara para transformar a personas y objetos o para hacerlos desaparecer y luego reaparecer, y además concibió innumerables innovaciones técnicas. Escribió, dirigió y protagonizó más de 500 películas y fue un precursor de los géneros de ciencia ficción, terror y suspense.

Sus películas están divididas en cuadros o escenas su gesticulación es exagerada, y por supuesto, la cámara, inmóvil, está ubicada en un único punto de vista fijo ante el escenario. El elemento original lo aporta su autor, con la  conjunción de elementos de la técnica fotográfica y de la teatral. Meliés aporta al cine una continuidad narrativa, creando mediante las escenas una relación argumental hasta entonces casi inexistente.

Películas principales.

1896 -La mansión del diablo
1902 -Viaje a la Luna
1904 -Viaje a través de lo imposible
1912 -A la conquista del polo.


 

Filmografía adicciónal:

  1. El hombre de la cabeza de goma 1901
  2. Un viaje a Marte 1910
  3. Metropolis 1927
  4. El hombre invisible 1933
  5. Los primeros hombres en la Luna 1964.
  6. La invención de Hugo 2011.

 


*Datos extraídos de El Libro del cine ed. Akai , wikipedia, historia del cine, ite.educacion

La iconografía del rock and roll tiene sus raíces en el cine, antes de la popularización de la música y su baile.

Dos películas en concreto son el pistoletazo de salida y una tercera supone el lance definitivo :

  • Salvaje 1953
  • Rebelde sin causa 1955,

Las dos primeras, protagonizadas por Marlon Brando y James Dean respectivamente van a marcar el territorio de la moda, de las actitudes. en definitiva, del estilo de vida .

Marlon Brandon en Salvaje es el líder de una pandilla de moteros, The Black Rebel Motorcycle Club , se introduce por primera vez en la gran pantalla el concepto de tribu urbana.

También se establecen varios iconos :

la ropa (cazadoras de cuero, camisetas, botas y vaqueros)

Las patillas ( james Dean y Elvis Presley las adoptaron)

Las motos : eran Triumph . Estás que serian desplazadas muy pronto por los coches en la mitología del rock, aunque las Harley Davidson mantendrían su estatus simbólico.

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Producida por Stanley Kramer y dirigida por Lazlo Benedek , uno de los momentos cumbre es cuando una chica pregunta a Brando:

“Johnny ¿contra que te revelas?  y él contesta –  que tienes?

Este breve diálogo es toda una declaración de intenciones… sobre el que se construirá el edificio de actitudes y comportamientos del rock and roll.

Fue prohibida en varios países, y en la España franquista no se vio hasta 1974 en un pase en TVE.

La película fue estrenada el 30 de diciembre de 1953 en los Estados Unidos.

En el Reino Unido la película fue censurada por la British Board of Film Censors durante 14 años. fue calificada como ‘X’ en noviembre de 1967.

La marca británica de motocicletas Triumph no les gustó la idea de que se usasen  sus motocicletas en el film, por la mala imagen que podrían transmitir al público con el uso de las mismas, si las relacionaban con bandas callejeras y delincuencia. pero los tiempos cambian y hoy en día la marca asocia muchas veces su imagen a la misma, pues resulta ser un buen reclamo publicitario.

La película está basada en una novela corta llamada The Cyclists’ Raid, escrita por Frank Rooney

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James dean, además de patillas también se apuntó a ponerse vaqueros. El rebelde sin causa, sus patillas eran más discretas que las de brando, pero estableció el modelo de jeans que llevar, los Levi’s 501 .

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Cazadoras de cuero, camisetas, botas y vaqueros como símbolo de rebeldía.

Los personajes de Brando y Dean son paralelos, dos caras de la misma moneda. Del líder pandillero con moto pasamos al desorientado adolescente urbano de instituto con coche, y se baja el listón de la edad de los protagonistas. Ambos tienen un aire interior que los consume y los conduce invariablemente a meterse en líos.

Nicolás ray, director de Rebelde sin causa basado en un relato suyo, construye una descripción del nuevo adolescente de los suburbios de los blancos acomodados, surgido tras la Segunda Guerra mundial. Ray vivió en Madrid, donde su local Nica’s fue vital en el desarrollo de los pioneros del rock and roll madrileño.

Rebelde sin causa también tuvo problemas con la censura franquista y no se estrenó hasta 1964

En él se intentó retratar la decadencia moral de los jóvenes estadounidenses, además de criticar el estilo de vida de sus progenitores

Esta producción estableció la imagen de Dean como icono de rebeldía juvenil.

El film se estrenó el 27 de octubre de 1955, casi un mes después del fatal accidente de James Dean (30 de septiembre de 1955).


Si estas dos primeras películas reflejaban un ambiente y marcaban estilo, en “semilla de maldad “ se escucho rock and roll por primera vez en una película.

  • semilla de maldad 1955
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Semilla de maldad 1955 con Glenn Ford

Dirigida por Richard Brooks , quien también escribe el guión, basándose en una novela de Evan Hunter, supuso el relanzamiento del “were gonna rock around the clock” por  Bill Haley and his Comets, compuesta por Max C. Freedman and James E. Myers en 1952.

Haley grabo su versión en 1954 para su debut con Decca, producida por Milt Gabler . originalmente una Caravelle encontró su camino cuando sonó en los títulos de crédito del principio de la cinta.  Y desde ahí cambió la historia de la música popular. Se convirtió en el número uno de rock and roll y el virus se propagó por todo el mundo occidental. Haley dejo obsoletos a los crooners iniciando una nueva era .

El tema del film no facilito su estreno en España:

Un profesor blanco llega a un instituto  de un ghetto , a una clase multirracial , donde se encuentra con alumnos problemáticos y antisociales. Glenn Ford interpreta a un profesor que tiene que lidiar con toda una clase , que, no restá dispuesta a seguir instrucciones de nadie.

El filme tuvo muchos problemas para ser exportado a Europa, ya que el gobierno estadounidense consideraba que era una mala imagen que el país daba al exterior. En España, por ejemplo, la película tardó ocho años en estrenarse.

Los alborotos en los estrenos europeos tampoco ayudaron y fue prohibida en España hasta 1964.


Rock around the clock – Billy Haley

El cine ya era un fenómeno de masas y se convirtió en un aliado formidable del nuevo ritmo. Hasta la explosión del Rock around the clock solo hubo un puñado de éxitos:

La ya mencionada Crazy man crazy por el propio Billy Haley

Shake Rattle and roll compuesta por Jesse Stone para Big joe Turner. (Atlantic 1954) que fue número uno de Rhythm &º blues y n º 22 en pop, mientras que la versión de Bill Haley del mismo año (Decca) fue nº 7 en pop.

Seventeen the Boyd Bennett and his Rockets (king 1955) fue nº 5 en pop y la versión de The Fontane Sisters llegó al nº 3,

Maybellene de Chuck Berry (chess 1955) fue el primer éxito de rock and roll de un artista afroamericano nº 1 en Rhythm & blues y nº 5 en pop.


Maybellene – Chuck Berry

Los grandes estudios cinematográficos estuvieron más rapidos que las compañias discográficas y se lanzaron a seducir a esta nueva audiencia con peliculas rocanroleras y captaron a Elvis Presley como astro del celuloide.


Nota: Contenido extraido del libro: R&R el ritmo que cambió el mundo by adrian Vogel.

 

Gustav Mahler_mortinvenize_mylastsin.comFRASES:

“Si un compositor pudiera decir lo que quiere decir con palabras, no se molestaría en tratar de decirlo con música.”

Gustav Mahler

 

Gustav Mahler...”Una sombra en el pasado”

 

Perfil:
Compositor y director de orquesta austriaco.
Nació el 7 de julio de 1860 en Kalischt, Bohemia (hoy en día República Checa) y murió el 18 de mayo de 1911 en Viena, Austria.

Gustav Mahler fue un compositor austriaco, bohemio romántico y algo tardío y uno de los principales directores de orquesta de su generación. Como compositor, sirvió de puente entre la la cultura austro-alemana del siglo XIX y el modernismo de principios del siglo XX. Mientras que en su vida su estatus como director de orquesta se estableció más allá de toda duda, su propia música ganó una gran popularidad sólo después de períodos de relativa marginalidad que incluyeron la prohibición de su interpretación en gran parte de Europa durante la era nazi. Después de 1945, su música fue re descubierta y defendida por una nueva generación de oyentes; Mahler se convirtió entonces en uno de los compositores más frecuentemente interpretados y grabados, una posición que ha mantenido en el siglo XXI.

Nacido en un entorno humilde, Mahler mostró sus dotes musicales a una edad temprana. Después de graduarse en el Conservatorio de Viena en 1878, ocupó una serie de puestos de dirección de creciente importancia en los teatros de ópera de Europa, que culminaron con su nombramiento en 1897 como director de la Ópera de la Corte de Viena (Hofoper).

Durante sus diez años en Viena, Mahler, se había convertido al catolicismo abandonando el judaísmo para tratar de contrarrestar los ataques constantes de los que era objeto por parte de la prensa antisemita . A pesar de ello, sus producciones innovadoras y su insistencia en los más altos estándares de ejecución le aseguraron  una reputación como uno de los más grandes directores de ópera, en particular como intérprete de las obras teatrales de Wagner y Mozart.

Al final de su vida fue por un corto periodo director de la Ópera Metropolitana de Nueva York y de la Filarmónica de Nueva York.


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Gustav Mahler – Orquesta Sinfónica De La Radiodifusión Bavara*, Rafael Kubelik ‎.

Temas De La Película De Visconti “Muerte En Venecia”
Sello: Deutsche Grammophon ‎– 25 38 124
Formato: Vinyl, LP, Stereo
País: Spain

Fecha: 1971
Género: Classical, Stage & Screen

Estilo: Modern, Romantico

Pistas:
Sinfonía Núm. 5 En “Do” Sostenido Mayor
A1 4.º Movimiento: Adagietto. Sehr Langsam
Sinfonía Núm. 7 En “Mi” Menor (“Canción De La Noche”)
A2 2.º Movimiento: Nachtmusik. Allegro Moderato
Sinfonía Núm. 3 En “Re” Menor (“Un Sueño De Una Noche De Verano”)
B1 Segunda Parte: Núm. 4 “O Mensch! Gibt Acht!” (De “Así Hablaba Zarathustra”, Nietzsche) Sehr Langsam. Misterioso
B2 Núm. 5 “Bimm Bamm! Es Sungen Drei Engel Einen Süssen Gesang” (Aus “Des Knaben Wunderhorn”) Lustig Im Tempo Und Keck Im Ausdruck .

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Compañías, etc.
Distributed By – Fonogram, S.A.
Manufactured By – Fonogram, S.A.
Printed By – Gráficas Foco, S.A.

Créditos
Alto Vocals [Contralto] – Marjorie Thomas (tracks: B)
Choir – Tölzer Knabenchor (tracks: B), Damenchor Des Bayerischen Rundfunks* (tracks: B)
Composed By – Gustav Mahler
Conductor – Rafael Kubelik
Orchestra – Orquesta Sinfónica De La Radiodifusión Bavara*

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La obra de Mahler es relativamente corta, ya que durante la mayor parte de su vida la composición de temas fue una actividad parcial, algo secundario a la su actividad como director de orquesta, que es dónde realmente se vuelca.

La mayoría de sus diez sinfonías son obras de gran escala, varias de las cuales emplean solistas y coros además de grandes  fuerzas orquestales. Dichas obras fueron a menudo objeto de controversia al interpretarse en un principio, y tardaron en recibir la aprobación popular; una excepción fue el estreno de su Octava Sinfonía en 1910 que resultó ser todo un triunfo.

Los sucesores de Mahler fueron compositores de la Segunda Escuela Vienesa, en especial Arnold Schoenberg, Alban Berg y Anton Webern. Shostakovich y Benjamin Britten son algunos de los compositores del siglo XX que admiraron y fueron influenciados por Mahler.

El Instituto Internacional Gustav Mahler fue creado en 1955 para honrar la vida y obra del compositor.


Otras melodías a destacar :

Deben tenerse en uenta otras melodías no mahlerianas que adquieren gran importancia dentro del film :

Unos fragmentos de la opereta La Viuda Alegre de Lehar (entre ellos el famoso Vals o el aria “Vilja, o Vilja”) que toca la orquesta del Hotel , en el salón donde Aschenbach verá por vez primera a Tadzio, y que cumplen a la perfección dar la ambientación correcta de la época en que transcurre el film.

Para Elisa de Beethoven, que Tadzio aporrea en el piano del hotel, y que a Aschenbach le trae el recuerdo de su visita al prostíbulo, donde también sonaba.

La canción napolitana La risata (“Chi con le donne vuole aver fortuna…”) que interpretan los músicos callejeros ante los selectos huéspedes del Hotel Lido.

La Canción de Cuna de Mussogrsky en la escena culminante en la playa, para fializar el film.

Muerte en Venecia.

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  • Título original – Morte a Venezia
  • Año – 1971
  • Duración -127 min.
  • País – Italia  Italia
  • Dirección – Luchino Visconti
  • Guion – Luchino Visconti, Nicola Badalucco
    (Novela: Thomas Mann)
  • Música – Gustav Mahler
  • Fotografía –Pasqualino De Santis
  • Reparto – Dirk Bogarde, Björn Andrésen, Silvana Mangano, Marisa Berenson, Mark Burns, Romolo Valli
  • Productora – Alta Cinematografica
  • Género – Drama | Años 1910-1919. Homosexualidad. Pandemia. Película de culto
  • Grupos – Adaptaciones de Thomas Mann

 

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Sinopsis:

Adaptación de la novela del mismo título de Thomas Mann.

Ambientada a principios del siglo XX.

Relata la llegada de un compositor alemán de edad madura, Gustav von Aschenbach (Dirk Bogarde) a la ciudad de Venecia como lugar de descanso y recuperación mientras se encuentra en un delicado estado de salud, ya que padece una fuerte crisis nerviosa. Se hospeda en un hotel junto al mar, dónde también se hospeda una noble mujer polaca (Silvana Mangano) junto a sus hijos y sirvientes. Su hijo Tadzio (Bjorn Andresen), es quién llama la atención del compositor por su aspecto frágil, pálido y bello …

La fascinación por el adolescente cuya hermosura le va cautivado de forma creciente le va consumiendo lentamente. A ésta situación se suman las muertes repentinas que se van sucediendo …. una epidemia se desencadena en la ciudad, todo se convierte en  decadencia que le va minando en todos los sentidos.

Una de las obras más conocidas y polémicas al mismo tiempo del director Luchino Visconti, que cosechó tantas alabanzas en éste film como críticas (mayormente en los últimos tiempos)  aunque es una pieza que queda siempre presente para ser tenida muy en cuenta dentro de la historia del cine.

El vestuario del film corrió a cargo del italiano Piero Tosi que vuelve a ser nominado al Oscar por su labor en ésta producción de Visconti 

 

SILVANA M. mylastsin.com

Silvana Mangano

A modo de curiosidad:  La ropa usada en éste film es original y fue planchada y almidonada a la manera de la época.

Otra de las nominaciones que protagonizara Piero Tosi fué por “Ludwig” otro film de Visconti  que se rueda un año después.

La música… el lenguaje de Muerte en Venecia

Si por algo ha pasado a la historia Muerte en Venecia es por su música, muy especialmente por el “Adagietto” de la Quinta Sinfonía de Mahler, que se hace presente de un modo emotivo tanto en los títulos de crédito iniciales como en numerosas escenas del film en donde Aschenbach, intercambia miradas con el joven Tadzio… en lo que resulta ser un símbolo de pasión silenciosa ,un  lenguaje de amor inconfeso que va alcanzando su clímax.

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Ludwig II – Luchino Visconti, 1972

“Luis II de Baviera” (Luchino Visconti, 1972)

Año de producción: 1972
País: Imagen  Francia
Dirección: Luchino Visconti
Intérpretes: Helmut Berger, Romy Schneider, Trevor Howard, Silvana Mangano,
Gert Fröbe, Helmut Griem, Isabella Telezynska, Umberto Orsini,
John Moulder Brown, Sonia Petrovna
Guión: Luchino Visconti, Enrico Medioli, Suso Cecchi d’Amico
Fotografía: Armando Nannuzzi
Música: Robert Schumann, Richard Wagner, Jacques Offenbach
Duración: 3h 58min
Género: Drama | Biográfico. Siglo XIX. Histórico


Sludwig_luchino_viscontis_mylastsin.com mylastsin.cominopsis:

El destino de un rey

Historia del joven rey austriaco que en 1864 subió al trono. A pesar de sus buenos deseos y  para Baviera, Ludwig II no supo dirigir a sus subditos, los que le traicionaron y actuaron a sus espaldas, haciendo que el destino del país fuera muy distinto al que el rey tenía pensado.

Luchino Visconti firma esta larga película que es un fresco histórico de Luis II de Baviera, romántico y soñador.  Rodada con muy buen gusto y excelente  ambientación y decorados.  Helmut Berger en el papel de el Rey; Trevor Howard como Richard Wagner y por supuesto Romy Schneider interpretando nuevamente el papel de Sissi.

 

ludwig_poster mylastsin.comPoster promocional del film de Visconti.

 

 

 

 

 

Galardones / Nominaciones

1973: Nominada al Oscar: Mejor vestuario
1972: Premios David di Donatello: Mejor película (ex-aequo) y director
1973: Seminci de Valladolid: Espiga de Oro