ADA YONATH – Premio Nobel QUÍMICA – 2009

Ada Yonath

Nobel de Química del 2009

De las cerca de 900 personas que han sido galardonadas con un Nobel desde el año 1901 , solo 48 son mujeres. Una de ellas es la Investigadora israelí  Ada Yonath , química, biología molecular,  profesora e investigadora, que consiguió este prestigioso galardón en el 2009

De pequeña, Ada no pensaba en dedicarse a la investigación porque en realidad, ella soñaba con ser escritora.

adapero no era buena , y, por otro lado, quería saberlo todo, tenía una gran curiosidad e hice experimentos toda mi vida, por ejemplo, una vez me rompí un brazo cuando me caí tratando de medir la altura del balcón de mi casa. Por eso cuando vi que no sería escritora, comprendí que para entender el mundo necesitaba la ciencia” – explica Ada.

Ingreso en la universidad de Jerusalén para estudiar química, qué es lo que más la atraía, y obtuvo su licenciatura en 1962, no sin esfuerzo y gracias a las becas y a los trabajos que tuvo que hacer para poder pagarse la carrera, ya que su familia era pobre y su padre murió cuando ella tenía 11 años.

Se reían de sus aspiraciones

Desde que acabó la universidad no ha dejado la investigación, a pesar de que no ha sido ajena a las burlas de sus colegas cuando, en 1980, se propuso describir los ribosomas, qué son fundamentales para la creación de vida, ya que se encargan de sintetizar las proteínas qué hay en las células.

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Hasta entonces varios grupos de expertos lo habían intentado sin conseguir resultados. Pero Ada científica perseverante donde las haya , lo logro, aunque le costó 20 años de investigaciones y más de 25000 experimentos.

Sus trabajos , merecedores del Nobel de Química, fueron pioneros para explicar la estructura de los ribosomas y, además, revelaron como actuaban más de una docena de familias de antibióticos, abriendo así el camino para el desarrollo de otros nuevos.


En la actualidad, a sus 79 años y movida por su insaciable curiosidad, continúa investigando y asegura que está comenzando a entender “cómo empezaron los ribosomas”, lo cual está relacionado con un enigma que fascina a la humanidad: El origen de la vida.


Simone Weil
París 1909 – Ashford 1943

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La filósofa que cogió su fusil

Considerada una mística cristiana, hizo de su vida una entrega la lucha contra la presión social y al conocimiento de las insondables profundidades del sufrimiento humano.

Desde niña manifestó una acusada sensibilidad hacia el dolor ajeno. Con apenas 5 años toma conciencia de la miseria de los soldados que sufren en las trincheras de la Primera Guerra Mundial. Sus biógrafos cuentan que guardaba los terrones de azúcar para enviárselos a los que luchaban en el frente. Educada en el prestigioso Liceo Henri IV, continúa sus estudios de literatura y filosofía en la Universidad de la Sorbona. Podríamos decir que es una parisina de familia acomodada, culta y laica, una joven como tantas, pero no sería cierto, Simone Weil es alguien diferente.

Empatizar con el dolor ajeno

La escritora francesa Simone de Beauvoir, que coincidió con ella en la Facultad de Filosofía, contaba cómo al llegar la noticia de una gran hambruna que asolaba China, Simone rompió a llorar

esas lágrimas” – afirmaba Beauvoir . “Me forzaron a respetarla incluso más que por sus extraordinarias dotes filosóficas“.
Con 22 años, comienza a trabajar como profesora de instituto. El afán por la justicia le impide ser indiferente ante el sufrimiento de los más pobres y la lleva a colaborar en las luchas sindicales de obreros y estudiantes que agitan Europa. Pero no le basta con la solidaridad , desea experimentar la injusticia que se abate sobre las clases trabajadoras.

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Renuncio a sus privilegios

En 1934, decide dejar atrás su vida acomodada y convertirse en obrera compartiendo la fatiga y la precariedad de los trabajadores en las fábricas francesas . Trabaja como obrera en la casa Renault coma experiencia que recoge en un libro prodigioso; Diario de fábrica: Allí recibí la marca de esclavo.

Con el estallido de la Guerra Civil española, y sin dejar de militar por un pacifismo intransigente , marcha a Barcelona para unirse al bando republicano.

“El sufrimiento de los otros ha entrado en mi carné y en mi alma” – escribe.

La experiencia de la guerra la llevan finalmente a abrazar el cristianismo, pero ella va por libre, es heterodoxa, de hecho se bautiza poco antes de morir. Lejos de vivir la religión con resignación, se entrega un viaje intelectual, vital y sin retorno, un viaje a las profundidades del dolor humano qué refleja en sus escritos . En ese momento, los ejércitos alemanes se extienden como una mancha de tinta sobre Europa. Simone intenta organizar un cuerpo de enfermeras de vanguardia coma que trabajen en el frente, en París, pero finalmente no tiene más remedio que huir a la Francia libre dónde trabaja como obrera agrícola y continúa escribiendo.

Coherente hasta el final

En noviembre de 1942 llega a Inglaterra. Su estado de salud es frágil , el trabajo extenuante y el hambre pasan factura a su débil cuerpo. Aún así, pide a los hombres del general De Gaulle que la lleven a Francia para organizar un cuerpo de enfermeras y ayudar a la resistencia. Se lo deniegan. Al ser judía, corre el riesgo de ser deportada.

El escritor Albert Camus edito su amplia obra filosófica, poética y política. .
“El único gran espíritu de nuestro tiempo “- así la definió.

Enferma de tuberculosis, Simone Weil murió en el sanatorio de Ashford (condado de Kent, Inglaterra) el 24 de agosto de 1943, tenía 34 años. Sus obras fueron publicadas en forma póstuma por sus amigos.

ALGUNAS FRASES DE SIMONE

• «Solo el equilibrio deshace la fuerza»

• «El avaro, por ansia de su tesoro, se priva de él»

• «La belleza es la armonía entre el azar y el bien»

• «Hay que realizar lo posible para alcanzar lo imposible»

• «La atención absolutamente pura y sin mezcla es oración»

• «El orden social no puede ser más que un equilibrio de fuerzas»

• «La creación: el bien hecho trozos y esparcido a través del mal»

• «Matar con el pensamiento todo cuanto se ama: única manera de morir»

• «La energía necesaria reside en mí, ya que con ella tengo para vivir»

• «La creencia en la existencia de otros seres humanos como tales es amor»

• «El mal es ilimitado, pero no infinito»


– Se recuperan los poemas y el legado humano de Simone Weil

Florence Nightingale. (1820, Florencia – 1910 Londres)

“La dama de la lámpara”

Cambió una vida apacible de dama de clase alta por el servicio social, sentó las bases de la enfermería moderna. Con el juramento Nightingale , las enfermeras homenajean su labor al graduarse.

En octubre de 1854 un barco de guerra atraviesa el Mar Negro hacia Estambul. Un equipo de 38 enfermeros liderados por Florence Nightingale, superintendente del Instituto Británico para el cuidado de señoras enfermas, la nave con intención de alcanzar el cuartel de Selimlye . Acude como refuerzo , ya que los hospitales de campaña de la Guerra de Crimea no dan abasto. Una vez allí Florence no tarda en percatarse de que la elevada tasa de mortandad en los sanitarios de campaña no responde tanto a las heridas producidas en el frente como a las pesimas condiciones higiénicas de las instalaciones sanitarias.
El tifus la cólera y la disentería campan a sus anchas entre los soldados , sistemas de desagüe y ventilación nulos y un deficiente equipamiento para procesar los alimentos. Nightingale emprende entonces la organización de las instalaciones hospitalarias con excelentes resultados. Entre los soldados heridos se la conocen como la dama de la lámpara porque cada noche camina entre los enfermos con una en la mano, para atenderlos.

La prensa no tarda en hacerse eco de esa poderosa y misteriosa imagen ¿ de donde surge esa tenaz entrega a los demás?

7 años antes de la guerra de crimea, Florence de viaje por Egipto, tuvo, lo que consideró ser una revelación: “Dios me llamo en la mañana y me preguntó si haría el bien en su nombre, sin buscar reputación”

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Con apenas 17 años, la joven Nightingale ya había experimentado revelaciones parecidas llamadas divinas que la empujan a enfrentarse a una sociedad victoriana qué espera de ella el comportamiento convencional de toda mujer: Convertirse en buena esposa y madre. Flores, de familia religiosa anglicana de clase alta, rechaza uno a uno a todos sus pretendientes y decide consagrar su vida al sufrimiento humano entregándose su carrera. Habitualmente se refiere a sí misma en términos masculinos, como hombre de acción de negocios. Comienza sus estudios de Enfermería con una estancia en la comunidad religiosa luterana de Kaiserwerth y , 5 años más tarde es nombrada superintendente en el Instituto para el cuidado de señoras enfermas.

Florence“Si no hubiera nadie descontento con lo que tiene, el mundo nunca alcanzaría algo mejor”

Florence Nightingale

 

 

 

Madre de la enfermería

Tras volver de la guerra de crimea, sus escritos asientan las bases de la profesionalización de la enfermería moderna desarrollando la dirección y la estadística aplicada a establecimientos hospitalarios también escribe sobre teología y ensayos en los que denuncian que la feminización excesiva de las mujeres y las condena a la invalidez social foros fue la introducción de enfermeras entrenadas para el cuidado de enfermos a domicilio en Inglaterra e Irlanda a partir de 1860 ah, medida revolucionaria que beneficiaba a los más pobres punto Nightingale falleció a los 90 años la oferta de las autoridades británicas de enterrarla en la Abadía de Westminster fue rechazada por sus familiares, su sepultura está en un cementerio público. Un gesto coherente con su ideario de Justicia social.


El 12 de mayo se celebra el Día Internacional de la Enfermería en honor a la británica.

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Una de las grandes pianistas de la historia.

¿A quién no le suenan los nombres del tenor Luciano Pavarotti, del pianista Arthur Rubinstein o del director de orquesta Rostropovich?

En el mundo de la música clásica, sopranos aparte, los hombres dominan el panorama. Sin embargo hay tambien muchas mujeres como la de la que vamos a hablar hoy: La pianista Alicia De Larrocha .

Ganadora de 4 Grammys, Dos Premios Ondas, y del Príncipe de Asturias , condecorada con la Legión de Honor de Francia, elegida 1982 música del Año en Nueva York y conocida cómo Lady Mozart. Alicia debutó con solo 4 años en 1927.

Una gigante bajita y de manos diminutas.

Avanzada a su tiempo, en una época en que las mujeres solían sacrificar su carrera profesional por la familia consiguió formar un revolucionario matrimonio con Joan Torra , tambien pianista, e invertir los papeles.

mi madre era feliz con ser independiente, no con el hecho de dejarnos cada vez que viajaba” – recuerda su hija, Alicia.

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Y esa modernidad suya es lo que le permitió convertirse en una de las mejores y más exigentes pianistas de la historia a pesar de que muchos creyeron que su corta estatura – apenas un metro y medio – y sus diminutas manos serían un problema para el desarrollo de su carrera. Se equivocaban. De hecho, se hizo famosa entre otras muchas cosas, por interpretar como quien no quiere la cosa el concierto para piano y orquesta número 3 de Rachmaninov, una pieza que parecía imposible para alguien con unas manos tan pequeñas.

Alicia solía bromear con su estatura diciendo: ” mi meta siempre fue hacer arte. Desde que nací he sentido la música. A mi madre y a mi tía, alumna de Granados, les horrorizaba que una niña tan pequeña se dedicase a esto y que fuera en detrimento de mi desarrollo ¡quizá por eso no termine de crecer !

Su prestigio su alma y su técnica interpretando a Chopin, Manuel de Falla o Mompou generaron veneración y De Larrocha llegó a ofrecer más de 200 conciertos al año. En uno de ellos en Nueva York la presentaron cómo una mujer de corta estatura gigante con el teclado.

 


De laBiografia Alicia de larrocha
Fecha de nacimiento: 23 de abril de 1872, Marylebone, Reino Unido
Fallecimiento: 8 de enero de 1948, London,
Género: Música clásica
Álbumes: The Harpsichord Virtuoso
Hermanos: Rupert Gwynne
Sobrina: Elizabeth David

Estaba muy unida a muchos de los principales artistas de su época, entre ellos Dame Ethel Smyth, Siegfried Sassoon, Irene, Lady Dean Paul (también conocida como Poldowski) y George Bernard Shaw. La poetisa galesa W. H. Davies visitaba a menudo sus recitales de clavicémbalo.

Sir Osbert Sitwell la menciona a menudo en su autobiografía.
Radclyffe Hall, la novelista lesbiana, le dedicó un libro de poemas eróticos.
Roger Scruton escribió el libreto y la música para una ópera, Violet, basada en su vida, que se estrenó en 2005 en la Guildhall School of Music and Drama.

Biografía

Violet Kate Eglinton Gwynne nació el 23 de abril de 1871, en Londres, en el seno de una acomodada familia con una hacienda en Sussex, Inglaterra. Fue la segunda hija y la cuarta de entre siete hijos del ingeniero, inventor y terrateniente James Eglinton Anderson Gwynne (1832-1915), y de Mary Earle Purvis (1841-1923).

Pasó sus primeros años en la Mansión Folkington, en las cercanías de Eastbourne, con sus hermanos .

El talento de Violet para la música se hizo notorio a temprana edad, y pronto se convirtió en una talentosa intérprete, especializándose en revivir la música isabelina a través del clavicordio y el clavicémfalo, y más tarde realizó grabaciones de estos instrumentos para la BBC y la HMV.

A pesar de todos los logros musicales de Violet, su vida personal siempre ha llamado mucho la atención, desde su propuesta de matrimonio con Lord Gage que fue cancelada,

Su madre era amiga de la soprano Adelina Patti. Violet se convirtió en alumna del principal profesor de piano del país, Oscar Beringer, un emigrante alemán, y a la edad de dieciséis años era una de sus alumnas más prometedoras.

En 1895 se casó de blanco con Gordon Woodhouse. Convenció a su marido para que adoptara el apellido con guión Gordon-Woodhouse y sus razones para contraer matrimonio no están claras.

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En 1899, William Barrington (heredero de un vizcondado) se mudó a la casa conyugal, a la que más tarde se unieron Max Labouchere y Dennis Tollemache. Este arreglo fue referido en los círculos sociales como el “circo Woodhouse”.

Originalmente, Violet tocaba el piano, pero alcanzó la fama tocando el clavicordio y el clavicémbalo.

Una influencia importante en ella fue Arnold Dolmetsch, un pionero del renacimiento de la música antigua, que comenzó a hacer réplicas de antiguos instrumentos con teclado en la década de 1890.

Dolmetsch suministró a Violet una serie de instrumentos y le dio instrucciones sobre cómo tocarlos.

En 1899, Violet interpretó el Concierto de Bach para tres clavicémbalos en Do en un concierto público en Londres. Los otros dos clavecinistas de Bach fueron Elodie Desirée (la segunda Sra. Dolmetsch) y el propio Dolmetsch.

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Dolmetsch trabajó en el extranjero a principios del siglo XX, pero Violet reanudó su colaboración con él en 1910.

Además del repertorio de música antigua, Violet tocó música de compositores del siglo XIX y de compositores vivos como Delius, a quien dedicó una pieza para clavicémbalo.

Después de la Primera Guerra Mundial, Violet, que no recibió nada en el Testamento de su padre, se sintió relativamente escasa de dinero. Esto pudo ser determinante para que ella optase por firmar un contrato de grabación.

En la década de 1920, Violet y Gordon compraron la Mansión de Nether Lypiatt en Gloucestershire, donde vivían con Barrington (conocido como “Bill”).

Las condiciones económicas mejoraron después de que Gordon recibiera una herencia en 1926. Violet redujo sus actuaciones públicas.

En los años 30 instruyó a la teclista australiana Valda Aveling

Después de la muerte de Violet en 1948, a la edad de 75 años, los dos hombres permanecieron en Nether Lypiatt hasta 1951, cuando Gordon murió.

Ethel Smyth  (1858-1944)

Hubo una época en que si las chicas querían dedicarse a la música podían tocar el piano o el arpa para amenizar las veladas sociales, pero no matricularse en una academia para aprender composición o dirección de orquesta, sin embargo,  a pesar de tantos inconvenientes, Ethel Smyth logró convertirse en la primera gran compositora británica de la historia.

Cuando era joven, ante la negativa de su padre a qué se dedicase a la música (le dijo que era cosa de hombres), Ethel dejó de comer y de hablar con nadie hasta que le permitieron matricularse en el conservatorio de Leipzig (Alemania) donde coincidió con compositores cómo Brahms y Chaikovsky .
“cada día estoy más convencida de qué si no hay mujeres compositoras se debe a que deciden casarse y convertir a sus esposos e hijos en su prioridad” – le diría a su madre en una carta. Ella ni se casó ni tuvo hijos.

En cambio, sí que encontró tiempo para cultivar amistades con otras mujeres, como la concertista de clavecín Violet Gordon WhoodHouse y la escritora Virginia Wolf, Clara Schumann, Emmeline Pankhurst, la emperatriz Eugénie de Francia y para la creación, pues compuso numerosas piezas corales, música instrumental  y de cámara y 6 operas, (siendo la más célebre The Wreckers) y una misa , estrenadas en el Royal Albert Hall.

Su música alejada del puritanismo victoriano, fue considerada por algunos como carente de la feminidad que se esperaría de una compositora. En cambio el escritor G. B. Shaw le dijo:  Tu música me curo para siempre de la vieja idea de que las mujeres no podían realizar lo mismo que los hombres en el arte.

Llego a dirigir con un cepillo de dientes.

Fue muy famosa otra de sus obras la marcha de las mujeres , que se convirtió en el himno de las sufragistas, a las que se unió en 1911 para luchar por el voto femenino .

En una manifestación, fue detenida y, en la cárcel de Holloway protagonizó una anécdota que ha pasado a la historia.

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Sir Thomas Beecham la visitó en la prisión de Holloway mientras cumplía una condena de dos meses por tirar piedras: “Llegué al patio principal de la prisión y encontré a las noble compañeras mártires marchando  alrededor y cantando vigorosamente lo que era su himno de guerra (La Marcha de las Mujeres), mientras que la compositora, sonriendo con aprobación desde una ventana superior de la prisión marcaba los tiempos con un cepillo de dientes”.

Ser una pionera y una compositora prolífica la hizo merecedora de muchos reconocimientos, entre ellos, el título de Dama del Imperio Británico en 1922  “por sus logros, los más altos alcanzados nunca por una mujer.”

Annie Lennox presenta Requiem for a private war”, su nuevo tema en ocho años que dedica a la periodísta estadounidense Marie Colvin.

El tema de Lennox forma parte de la banda sonora de la película A private war, que cuenta la historia de la mencionada periodista Marie Colvin*, corresponsal de guerra del periódico británico Sunday Times, que halló la muerte en el año 2012 durante la guerra civil en Siria.

A continuación os dejo el video de Annie Lennox porque más vale una imagen que mil palabras. Marie Colvin fue sin duda una mujer muy valerosa, defensora de los derechos humanos y sin miedo de cubrir la noticia allí dónde los conflictos resultron ser más duros.

EN SUS PALABRAS:

Escribir Réquiem por una guerra privada’  para la película ‘Una guerra privada’ no sólo me ha dado la oportunidad de honrar a Marie Colvin, sino que también pretende amplificar el mensaje de’verdad al poder’ por el que ella luchó durante toda su vida para transmitirlo al mundo, con respecto a las atroces consecuencias de la guerra y sus efectos sobre las poblaciones civiles inocentes” Annie Lennox

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Annie Lennox es una cantautora y activista británica de renombre internacional nacida en Aberdeen, Escocia, el 25 de diciembre de 1954. Inició su carrera a finales de la década de los setenta en: The Tourists, junto con su amigo David Stewart con quien años más tarde se alió para formar Eurythmics, uno de los dúos musicales más reconocidos durante los ochenta.
Marie Catherine Colvin

*Marie Catherine Colvin fue una reportera de guerra estadounidense que trabajó en el diario Sunday Times desde 1986. Aunque nació en Nueva York, fue toda una leyenda para el periodismo británico.​ Narró conflictos como los de Sierra Leona, Timor Oriental, Kosovo, Zimbabue, Chechenia y también la Primavera árabe.

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Marie Catherine Colvin perdió el ojo izquierdo a causa de una granada

Mientras cubría la Guerra Civil de Sri Lanka, perdió el ojo izquierdo a causa de una granada. Desde entonces, llevaba siempre un parche negro. A lo largo de su vida, fue galardonada en numerosas ocasiones. Ganó dos veces el premio a la Valentía en el Periodismo, de la Fundación Internacional de Mujeres en los Medios. Colvin se casó tres veces, la segunda de ellas con el periodista boliviano del periódico El País Juan Carlos Gumucio, fallecido hace casi una década, y no tenía hijos.

última transmisión

Hizo su última transmisión en la noche del 21 de febrero, apareciendo en la BBC, Canal 4, CNN e ITN News vía teléfono satelite. Describió los “despiadados” bombardeos y ataques de francotiradores contra edificios civiles y personas en las calles de Homs por parte de las fuerzas sirias. Hablando con Anderson Cooper, Colvin describió el bombardeo de Homs como el peor conflicto que jamás había experimentado.

Muerte en Homs

Murió en la ciudad siria de Homs mientras cubría la masacre provocada por la Guerra Civil Siria. En su última noticia, denunció que había visto morir a un bebé a causa de los bombardeos de las tropas gubernamentales.

Colvin murió junto con el galardonado fotógrafo francés Rémi Ochlik. Una autopsia realizada en Damasco por el gobierno sirio concluyó que Marie Colvin fue asesinada por un “artefacto explosivo improvisado lleno de clavos”.  El gobierno sirio afirma que el artefacto explosivo fue colocado por terroristas el 22 de febrero de 2012 mientras huían de un edificio mediático no oficial que estaba siendo bombardeado por el ejército sirio. Este relato fue refutado por el fotógrafo Paul Conroy, que estaba con Colvin y Ochlik y sobrevivió al ataque. Conroy recordó que Colvin y Ochlik estaban empacando su equipo cuando el fuego de artillería sirio alcanzó su centro mediático.



 

“Vogue”,“moda”, es el primer sencillo de su álbum “I`m Breathless”, que fue un rotundo éxito. Ganó tres premios MTV Video Music Awards​ y llegó a ser número 1 en más de 30 países.

En el videoclip del tema dirigido por David Fincher, se incluyen pinturas de Tamara de Lempicka, como ya lo hizo en Open your Heart  en el que durante los primeros diez segundos se puede observar la entrada a un teatro erótico decorado con un collage de dos pinturas de Tamara: Andrómeda y La bella Rafaela.

En otro video “Deeper and deeper”, Madonna personifica a una mujer glamorosa conduciendo un auto descapotable, igual al famoso autorretrato de Tamara.

Por ultimo en Drowned World/Substitute for Love Madonna cruza un pasillo en el que hay dos cuadros colgados en la pared, uno de ellos es Nana de Herrera.

Las obras de Lempicka que posee y que cuelgan de las paredes de su casa de Nueva York son : Andrómeda, Nana de Herrera, Nue à la colombe, la cuarta la desconocemos.

   Apartamento de Madonna y su decorador, con las obras de Tamara.

 

El actor Jack Nicholson tiene 5 pinturas de Lempicka y es uno de los más grandes coleccionistas de arte de Hollywood,

En 1994 Barbra Streisand vendio en subasta su colección Art Déco y Art Nouveau por 5,8 millones de dólares…. 2 millones procedían de un solo cuadro: Adán y Eva, de Tamara de Lempicka!!

Como veis Tamara de Lempicka sigue siendo pura actualidad.

Tamara de Lempicka

Es la reina del Art Deco…. así se la recuerda y se la sigue presentando como tal en la actualidad .

Personalmente no conocía la obra de Tamara pero tuve la ocasión recientemente de acudir a una exposición en Madrid en dónde pude conocer una pequeña parte de su legado, posteriormente he podido buscar e indagar acerca de su obra en más profundidad, y me alegré mucho de toparme casualmente, con la exposición en el Palacio de Gaviria (Calle del Arenal, 9) que, me atrajo enseguida , por cómo se presentaba el nombre de aquella mujer, pionera donde las halla, en una puesta en escena temporal que se me antojó bastante triste y monótona, empatizé con ella enseguida por su valentía y aquel atrevimiento tan inusual, imaginé (cosa que no resulta nada difícil) que había tenido que nadar muy a contracorriente en aquella sociedad  hipócrita , dónde “vivir al filo” fue su reto… hacer aquello que quería hacer sin más historias, siendo mujer no debió ser nada fácil, no, no lo es ni siquiera hoy en día.

La exposición

Incluye en torno a 200 piezas procedentes de más de 40 colecciones privadas y museos.  Con un total de 10 salas a visitar dentro de un entorno preparado con videos y música que te harán viajar al pasado y ponerte en la piel de la arista y su tiempo.

En la mayoría de sus pinturas se pone de manifiesto su alto y lujoso estilo de vida con un ritmo vertiginoso, y siempre al filo.

En el verano de 1932, la artista estuvo durante un largo periodo de tiempo en España, visitó  Málaga, Sevilla, Córdoba, Toledo y Madrid y puso de manifiesto su interés por El Greco y Goya, mediante sus visitas a museos españoles. Se puede visitar por primera vez desde su creación el retrato que la artista pintó a Alfonso XIII.
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Art Deco

Estilo propio de las artes decorativas desarrollado en el periodo de entre guerras, en Europa y América. Alcanzó su máximo esplendor en la Exposición Internacional de Artes Decorativas de París de 1925. Es un estilo clásico, simétrico y rectilíneo que alcanzó su mayor apogeo entre 1925 y 1935,

Tamara de Lempicka, nacida Tamara Rosalia Gurwik-Gorska , pintora polaca que alcanzó la fama en Europa y Estados Unidos con sus retratos y desnudos de estilo Art Déco. Nació en una  familia acomodada un 16 mayo 1898 en Polonia.

En 1916 contrae matrimonio con Tadeusz Lempicki , huye de su país cuando los cambios políticos empiezan a hacer mella en su entorno y su esposo es detenido, Y se instala en París.  Allí estudia pintura con André Lhote.

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Exposición Palacio de Gaviria en Madrid (Calle del Arenal 9)

Es en 1922, en el Salón d´Automne, donde tiene lugar su primera exposición. A partir de aquí nace también el personaje que retrata a una Tamara ambiciosa, liberal, expresiva … que deslumbra a la aristocracia con su arte sensual.

En 1923 nace su hija Kizette a quién retrata en varias ocasiones, y obtiene un lugar en la Exposición Internacional de Artes Decorativas de París de 1925, dónde exponen los más influyentes artistas del Art Deco.

Tamara también se influenció del arte italiano ya que viajó mucho a éste país, y se relacionó con poetas de importancia y otros aristócratas.

 

Busca el reconocimiento social , cultural a través del arte y lo consigue, ya que en París llega a alcanzar un gran nivel de prestigio siendo toda una celebridad, a pesar de que ser una artista del género femenino no era algo que la fuese a ayudar precisamente. No obstante consigue su objetivo de una manera sobresaliente. Sus contactos con la aristocracia la ayudaron a salir adelante y muchos de sus retratos pertenecen a esta clase social con la que se codea.

Conoce al Barón húngaro Raúl Kuffner mediante el que obtiene el titulo de Baronesa y el ansiado reconocimiento social al contraer matrimonio con él.

Ante la amenaza de la II Guerra Mundial ambos se trasladan a Estados Unidos, más en concreto a Beverly Hills, donde instalarán su residencia en la antigua casa de King Vidor. Nunca oculta su orientación bisexual.

1941 su hija Kizette escapa de París ante la ocupación Nazi, y se marcha con su madre a Estados Unidos.

El Autorretrato con Bugatti Verde representa a la artista como una figura femenina inspirada por la trágica muerte de otra famosa personalidad de la época: la bailarina norteamericana Isadora Duncan, que falleció en 1927 al engancharse su fular en una de las ruedas traseras de su coche.

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autorretrato 1929  Tamara en bugati verde.

Es toda una declaración de intenciones, evoca en su autorretrato la libertad de la mujer conduciendo su bugati con mirada desafiante, independencia glamour y estilo.

1962 muere su marido el Barón. Traslada su residencia a Houston para estar más cerca de su hija Kizette. Pero en 1978 Lempicka se muda definitivamente a México, donde adquiere una casa en Cuernavaca conocida como “Tres Bambús”, donde pasa los últimos días de su vejez

Tamara de Lempicka muere en la ciudad de Cuernavaca en 1980 . Su hija cumple el sueño de su madre y arroja sus cenizas en el interior del volcán Popocatépetl.


Etapas

Como todos los artistas tiene varias etapas dentro de su vida artística.  La época de París es sin duda la más entregada y abnegada de todas,  y es aquí dónde sus pinturas destacan especialmente, ya que se esfuerza en sobremanera por llegar a la cima y conseguir esa conexión social y profesional que tanto anhela. Los objetivos de Lempicka son siempre elevados y necesita el reconocimiento y aceptación de quienes la rodean.

Cuando debido a al acoso hitleriano marcha a los EEUU, su estilo viene a tornarse más relajado. Aunque nunca se aleja demasiado de esas tendencias iniciales que la caracterizan y que la acompañarán por siempre.

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‘Chica de verde’ (1930-31),


La preferida de Madonna

Sus pinturas, aparecen en los videoclips de Madonna ya que la cantante tiene pinturas de Lempicka en su colección personal.  Esto es a modo de curiosidad y para establecerla directamente con la actualidad.

Referencias.

Tamara Lempicka: la diva del art déco pasea su glamour por el Palacio de Gaviria – Es el titular de  20 minutos,  el periódico digital, sobre la exposición.

Tamara de lempicka  De lempicka.org

Jacqueline Kennedy

Jacqueline Lee Kennedy Onassis fue Primera Dama y esposa del Presidente de los Estados Unidos, John F. Kennedy, durante su presidencia de 1961 hasta su asesinato en 1963.
Uno de los vestidos inolvidables de la historía fué el que lucío aquel fatídico 22 de noviembre, con él que, el mundo entero pudo ver las terribles imágenes de una Jacqueline aterrorizada huyendo a través del capó del coche en el que paseaban (un Lincoln Continental Convertible producido por Ford)  ella y su esposo, por la calle Elm de Dallas (Texas) trás recibir éste varios disparos certeros que acabaron con su vida . Imagenes que recorrieron el mundo una y otra vez y aún hoy siguen sobrecogiéndonos por su extrema dureza.

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El traje de Jackie pasaría a la historía y será recordado por aquella tragedia. Lo luciría a partir de ese momento durante las horas posteriores que siguieron al suceso, manchado con la sangre de su esposo,  a pesar de la insistencia para que lo sustituyese , Jackie se negó reiteradamente diciendo “Dejadles ver lo que han hecho”

El Traje de las controversias
Jacqueline que vivió en París y esudió en la Sorbona (prestigiosa universidad de humanidades y letras de renombre internacional) sentía un especial apego por la cultura y moda francesas, cosa que no era del agrado de los estadounidenses, que abogaban por la moda y diseños del propío país, por lo que, trás recibir las críticas pertinentes, intentó esconder esas tendencias que tenía tan arraigadas desde su juventud.
Karl Lagerfeld, director creativo de la maison, dijo a las claras que el conjunto de la señora Kennedy era “una copia falsa y muy bien confeccionada obra de Cassini”*, el diseñador oficial de la primera dama.
Otros afirman que el famoso diseño en ‘tweed” pertenece a la casa Chanel de 1961, aunque originalmente fué diseñado en violeta, ella lo encargó en rosa a la tienda ‘Chez Ninon’ (Park Avenue),

Compuesto de dos piezas.  chaqueta con abotonado marinero y falda por debajo de la rodilla, llevó como complementos sombrero ‘pill box’ a juego y guantes blanco como era habitual en Jackie.
Lo cierto es que éste conjunto había sido utilizado por la gran dama en ocho ocasiones, y era además uno de los predilectos de su esposo, ya que reflejaba con total perfección lo que una dama debía ser en aquella época: un ejemplo de elegancia y moralidad, la mujer perfecta a la que todos debían admirar e imitar .
De todos eran conocidos los devaneos de el presidente JF Kennedy y Jackie interpretaba el papel de esposa sumisa y perfecta ante la ciudadanía, amortiguando así los constantes rumores que iban surgindo.

Ella volvió a poner de moda el sombrero ‘pill box’, que al parecer- dicen -ocultaba la raíz encrespada de su pelo rizado, mientras que sus guantes blanco escondian que tenía la fea costumbre de comerse las uñas.
Ambos complementos (sombrero y guantes) se perdieron durante la tragedía del día 22 de noviembre. El vestido en cambio, parece que aún se conserva en el Archivo Nacional de Estados Unidos, dónde permanece tal cuál se guardó ese día. Caroline Kennedy lo donó al país en 2003, con la condición de que no fuese expuesto al público hasta 2013.

*Oleg Cassini fué el diseñador de la primera dama.

Cassini

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