• Director y guión : Albert Pintó
  • Estreno: 17 de Enero de 2020 (España)
  • Género: Cine de terror
  • Productor: Ramón Campos
  • Distribuidora España : Warner Bros Pictures .

 

Sinopsis:

Ambientada en el Madrid de 1976, la historia narra el traslado de una familia de un entorno rural a la capital dónde creen, erroneanmente, les aguarda un mejor futuro y más oportunidades.

Candela (Bea Segura) y Manolo (Iván Marcos) se instalan en el madrileño barrio de Malasaña junto a sus tres hijos y el abuelo de ella, Fermín (José Luis de Madariaga). Pero hay algo que la familia Olmedo no sabe, y es que en la casa que han comprado, no están solos.

Poco a poco comenzará a reve­larse una presencia desconocida e incontrolable a la que tendrán que hacer frente, ya que no tienen oportunidad de irse a ningún otro lugar , hallándose atados por una hipoteca que los une al piso de por vida. Una parapsicóloga (Concha Velasco) será la única ayuda que encuentren en la ciudad para hacer frente a esa fuerza que los acosa y consume.

Protagonistas

El director Albert Pintó  ha apostado por un reparto novedoso dentro de lo que viene siéndo el cine Español. Sus protagonistas son:  Begoña Vargas, Iván Marcos, Bea Segura, Sergio Castellanos, Javier Botet,  Iván Renedo, María Ballesteros, Rosa Álvarez.

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Javier Botet y Albert Pintó

El actor manchego Javier Botet sufre el Síndrome de Marfan, una enfermedad rara que deforma sus huesos y que en ésta ocasión no hace de monstruo , tal y como suelen ser  sus papeles habitualmente . Ver video aqui. En ésta ocasión interpreta a un especulador inmobiliario sin escrupulos.

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Begoña Vargas

Begoña Vargas da vida a la hermana mayor de la familia Olmedo , que a sus 16 años,  sueña con ser azafata de Iberia. Ella cuida de su hermano pequeño y del abuelo.

El director: Albert Pintó

Por su película Matar a Dios” (2017) el director Albert Pintó fue galardonado con el Premio del público en en Festival de Sitges. “Malasaña 32” es su segundo largometraje como director, el primero en solitario.

Elementos cotidianos que daban “paz y amor”, como “una canica, una peonza o un tendal en casa adquieren un nuevo y macabro sentido en Malasaña 32.

Albert Pintó

 

El 32 … Un número inexistente.

A pesar de que la vivienda que aparece en el film dice situarse en la Calle Malasaña 32, dicha vivienda no pertenece a esa calle en concreto, sino que , es en realidad, el edificio perteneciénte a la calle San Bernardino en su esquina con la calle Dos Amigos.

Además la calle Manuela Malasaña cuenta con sólo 30 números, siéndo por lo tanto el número 32 totalmente ficticio e inexistente.

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La familia Olmedo al completo.

Acción a la luz del día

El auténtico miedo , las situaciones extremas a las que hacemos frente día tras día no sólo ocurren en la intimidad de una noche oscura, al contrario, suceden a plena luz del día y lo que es peor , estándo rodeados de gente , eso es lo realmente dramático y terrorífico en la vida real de éstos, nuestros días, que, a pesar de estar aparentemente rodeados de gente, nos hallamos absolutamente solos ante nuestros problemas, nadie nos va a ayudar , así que estamos obligados a  hacer frente a todo lo que lo que nos venga de frente,  a pleno día y rodeados de gente que, son extraños, y que van cada cuál a lo suyo , y esa es una de las realidades que mejor han quedado captadas en el film: la soledad existente en los nucleos urbanos.

Tensión constante

 “He intentado hacer una película donde el terror proceda de la pausa, del suspense. Soy fan de esas películas en las que el terror te cala los huesos, no te deja respirar. Además, quería que el miedo fuera diurno. Cuando hay luz piensas que estás seguro en tu casa, mientras tiendes la ropa, por ejemplo, y no siempre es así”.

Albert Pintó (director)

Su director consigue crear esa tensión y ese malestar continuo que existe en la casa dónde ni un sólo momento se puede respirar de paz, el miedo está en la casa misma y el ambiente por lo tanto no tiende a  relajarse, la tensión está ahí desde el inicio y no hace sino crecer según avanza el rodaje.

Repasamos nuestra historia

Ameno encontrarte con objetos antiguos que a tantos nos resultan familiares , (camas niqueladas, cortinas , vestidos y mil objetos más cómo el tocadiscos o la Televisión. ) empezando por el mismo piso dónde se desarrolla la acción. Dejamos atrás la típica casa americana a la que nos tienen acostumbrados en los films de terror, para vivirlo en una mucho más acorde a nuestra cultura, pasando por los sitios comunes del edificio como rellanos y escaleras, y hacer entrar en el juego incluso la vivienda de enfrente , el tendal de ventana a ventana (otra zona común) y juguetes de antaño como la peonza o las canicas.

Recomendada

Por mi parte altamente recomendada, nada aburrida , amena en todo momento y con muchísimos recuerdos de infancia si creciste en la década de los 70 / 80 lo que añade un “extra” a la sesión cinematográfica . Y es que no hay lugar a dudas:  Hay lugar para el cine español también dentro de éste género y muchas caras nuevas con talento aún por descubrir .

La polémica

Según la actriz Maria Schneider el uso de la mantequilla a modo de lubricante nunca formó parte del guión. El director italiano siempre lo negó y achacó los problemas de la actriz a que no había sabido procesar adecuadamente la fama que le reportó la película, pero, en una entrevista en el 2013, Bertolucci reconoció que el detalle de la mantequilla se le había ocurrido a Brando el mismo día del rodaje, cuando desayunaban, y que ambos se lo habían ocultado a Schneider para que “su reacción fuera la de una chica no la de una actriz. Quería que sintiera la humillación, que gritara. Nunca me lo perdono”.

Tango-París


A esa sombra que acompañó su carrera se sumo el escaso éxito comercial que consiguió su siguiente trabajo, “Novecento” (1976) , epopeya de 4 horas sobre la lucha de clases en Italia de la primera mitad del siglo XX.

Empieza el 27 de enero de 1901, cuando, coincidiendo con la muerte del compositor Giuseppe Verdi , no nacen en la hacienda berlíng-hieri dos niños: Olmo, hijo de trabajadores de la finca (Gerarard Depardieu) y Alfredo, nieto del patriarca (Robert De Niro). Durante el rodaje de “Novecento” se había enamorado de la británica Clare Peploe, su ayudante de dirección , con la que, divorciado de su primer matrimonio en 1972, se casó en diciembre de 1978.

 

Tras las dos películas menores –“la luna” (1979) y “la historia de un hombre ridículo” ( 1981) – Bertolucci se apartó del cine. Volvería 6 años después, para afrontar una super producción al estilo de Hollywood:  “El último emperador” (1987) explicaba el trágico devenir de Pu Yi, último representante de la dinastía Manchú. Ganó 9 Óscar, incluyendo los de mejor película , mejor guión y mejor Director. Ningún cineasta italiano lo había logrado antes.

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Dolor y Final

Su siguiente reto fue la adaptación cinematográfica de la novela de Paul Bowles, “El cielo protector”, con Debra Winger y John Malkovich interpretando a una pareja neoyorquina que intenta empezar de nuevo en África.

 

Cada vez más interesado por el mundo interior, rodó “Pequeño Buda”, con Keanu Reeves.  Tras “Soñadores” en el 2003 , su dolor crónico de espalda se agravó por culpa de una caída y una fallida operación que lo dejo en silla de ruedas.

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En el 2013 , pareció recuperar la alegría y la actividad con la que sería su última película, “tú y yo” pero un cáncer acabó con su vida.

Murió el 26 de noviembre, a los 77 años, en su casa de Roma. Su capilla ardiente, instalada en el Ayuntamiento de la capital , permitió que miles de italianos despidieran a su director de cine más internacional.

Mas información

 

Bernardo Bertolucci


El último emperador del cine de autor italiano

Nació en Parma (Italia) el 16 de marzo de 1940 en el seno de una familia intelectual. Su padre, Attilio Bertolucci , era un reconocido poeta y crítico de cine. Su madre Ninetta Giovanardi, daba clases de literatura. El matrimonio tuvo otro hijo, Giuseppe.

La familia se mudó a Roma cuando era adolescente, instalándose en la misma casa del barrio del TrPier_Paolo_Pasoliniastevere dónde vivía Pier Paolo Pasolini. Gran amigo de su padre , éste le brindo la primera oportunidad en el cine cuando tenía 20 años, había ganado el premio Viareggio por el libro de poemas “In cerca del mistere”.

“Un día Pier me dijo: ¿Te gustan las películas verdad? Porque voy a rodar una y quiero que me hagas de asistente en la dirección se llama “Accattone”. – Le dije que nunca había hecho de asistente y me respondió que él tampoco había dirigido ninguna ninguna película”




En su adolescencia había grabado cortos con su hermano en super 8, dejó sus estudios en la Universidad de Roma para poner el primer peldaño de una sólida carrera cinematográfica. Un año después rodó “la commare secca” (1962)
Impresionante historia sobre la muerte de una prostituta en un suburbio de Roma. Ganó un premio en el Festival de Venecia, pero los críticos cinematográficos italianos cargaron contra el joven director.
Esa resutó ser una constante en su vida.
Nadie es profeta en su tierra  –  y Bertolucci no fué precisamente la excepción.

Sentido de justicia

En su segundo filme demostró que era un narrador con personalidad propia: “Antes de la revolución” (1964) protagonizada por Adriana Asti, con la que tuvo un romance, explicaba como un hombre adinerado se replanteaba su vida y sus ideas trás la muerte de un amigo.

Una lucha interior que era la suya propia: Nacido en una familia burguesa se había afiliado al Partido Comunista por su sentido de justicia social y su aversión a la corrupción de la política italiana.

Los críticos volvieron a ser duros con la película (con música de Ennio Morricone), pero él no se rindió. Al poco, estrenaría dos de sus mejores trabajos: “La estrategia de la araña” (1970) y “el conformista”, del mismo año. Basadas en texto de Jorge Luis Borges y Alberto Moravia, ambas son reflexiones sobre el pasado fascista de Italia y tuvieron como director de fotografía al genial Vittorio Storaro , arrancando una longeva relación profesional entre ambos a la que Bertolucci se refería, con humor, como “la más apasionada historia de amor de mi vida” .
Con el cine como el eje principal de su vida, su esposa en la vida real, la escenógrafa María Paola Maino, se encargaba de la dirección artística de sus películas.

 

 

Su filme más erótico

“El conformista” influyó decisivamente en toda una generación de directores – especialmente en Francis Ford Coppola – que la estudió antes de dirigir “El padrino” – pero el pasaporte a la fama internacional de este hombre simpático, culto y de Psicología complicada fue “El último tango en París” que ingresó en la antología de filmes escandalosos de la historia del cine desde su presentación, en el Festival de Nueva York , en 1972.

La historia narra la relación sexual al límite en un apartamento abandonado de París entre Paul , un hombre maduro y viudo, y Jeanne , una joven de 19 años. Jean Louis Trintignant y Dominique Sanda tenían que protagonizarla, pero la timidez del primero y el embarazo de la segunda hicieron que Bertolucci le enviará el guión a Marlon Brando ( que estaba en la cima de su carrera y lo aceptó encantado) y optara por Maria Schneider una actriz totalmente desconocida, para el personaje de la joven amante. Quizás el cambio en el casting fue el secreto del éxito , pero lo cierto es que el film se convirtió en uno de los grandes títulos del cine de todas las épocas. Solo en EEUU recaudo 36 millones de dólares en taquilla y opto a dos Óscar (mejor director y mejor actor)

PROHIBICIÓN Y CASTIGO

Muy diferente fue el la cosa en Italia,  donde el Tribunal Supremo ordeno la destrucción de todas las copias y condenó a Bertolucci a estar 5 años sin derechos civiles por una ofensa al ” sentido común del pudor”.

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Marlon Brando y Maria Schneider (El último Tango en París)

También en la España franquista prohibió tajantemente su exhibición , dando lugar al curioso fenómeno de los peregrinos del erotismo: Cientos de españoles que, cruzaban la frontera para hacer larguísimas colas y ver la peli en los cines de Perpignan.


El último Tango en París consagró a Bertolucci como el gran director de la transgresión , pero también le persiguió durante toda su vida. Hasta su Muerte en el 2011,

Maria Schneider le acusó de que el abuso que había sentido durante el rodaje de la escena en la que el personaje era sodomizado la había hundido la vida, abocandola a las drogas y el desorden mental.

continua…

Go Johnny go …!! (sigue)

Otro joven artista qué se encontraba en la cima de su popularidad en el momento de rodarse el film era Ritchie Valens. Al poco de finalizar su trabajo en Go Johnny go!

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Valens se incorporó al “Winter Dance Party”, una gira organizada por la general artist corporación que arranco el 23 de enero en Milwaukee (Wisconsin) con la idea de prolongarse sin interrupción durante algo más de 3 semanas. En este período de tiempo, los artistas incluidos en el programa – Buddy Holly, The big Bopper, Dion and the Belmonts, Frankie Sardo y el propio Ritchie – tendrían que recorrer en un autobús cochambroso el triángulo formado por los estados de Wisconsin , Iowa y Minnesota , actuando cada noche en un lugar diferente. El intenso ritmo de trabajo que los músicos se veían obligados a soportar en condiciones infrahumanas, con heladoras temperaturas que incluso provocaron que el batería Carl Bunch, tuviera que ser hospitalizado por severos síntomas de congelación en sus pies, convencieron a Holly, la estrella del show, de que la única manera de conseguir un respiro era fletar una avioneta tras su concierto en Clear Lake (Iowa) para llegar rápidamente al siguiente punto de la ruta evitando la incómoda travesía en autobús.

Después de algunos cambios, las 4 plazas de la avioneta quedaron ocupadas por el piloto  (Roger Pettersson), Buddy Holly, J.P Richardson (The Big Bopper) y Ritchie Valens despegando hacia la una de la madrugada del 3 de febrero en medio de circunstancias meteorológicas adversas. Minutos después, tras recorrer unas pocas millas, el aparato se estrellaba. Todos fallecieron en el acto.

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Con tendencia hispana aunque nacido en Pacoima . California en 1941, Valens había debutado en las listas nacionales con su primer sencillo- come on let’s go – y ya con el segundo – que contenía los temas “Donna” y ·la Bamba” – logró convertirse en toda una estrella. Su actuación en Go Johnny go se limitó a “Ooh my head” , canción destinada a formar parte de un primer álbum que ya no vería la luz hasta después de su muerte.

Hablando de las necrológicas relacionadas con go Johnny go!! solo 10 meses después del estreno de la película moría en un accidente de automóvil Eddie Cochran. El cantante y guitarrista acababa de finalizar una triunfal gira por el Reino Unido cuando el taxi en el que viajaba camino del aeropuerto londinense se salió de la carretera a gran velocidad y acabo impactando contra una farola. Gene Vincent  y Sharon Shelley – novia de Cochran – ocupaban  el asiento trasero junto a este, resultando malheridos; en la parte delantera, el tour manager de los artistas y el conductor del vehículo salieron ilesos. Eddie se llevó la peor parte y ya no volvería a abrir los ojos.

Su fallecimiento se registró oficialmente a las 4:10 de la tarde del domingo 17 de abril de 1960. Con solo 21 años, dejaba un tremendo legado una profunda huella va mucho más allá de los temas que alcanzaron mejores posiciones en las listas de éxitos (sitting in the balcony, summertime blues, y come on everybody) proyectándose a través de la influencia ejercida sobre tantos y tantos guitarristas desde los años 50 hasta la actualidad.

La actuación de Eddie Cochran en Go Johnny go!! es posiblemente la más antologica del film . Ya con su sola presencia, interpreta “Teenage Heaven” y simula bailar con su guitarra mientras suena un solo de saxo. Absolutamente memorable. Parece ser que se filmó a Cochran interpretando un segundo tema, para ser exactos, la balada “I  remember” , pero desgraciadamente fue eliminado en el montaje final. El single que incluía los dos cortes consiguió entrar en los charts, aunque se quedó en el penúltimo puesto del TOP 100, ampliamente superado poco después  por “Something else” , su último hit en las listas norteamericanas.

La citada Sandy Stewart , que además de cantar interpreta con credibilidad el papel de novia del protagonista, sería la única representación femenina en Go Johnny go si no fuera porque Alan Freed decidió contar también con Jo Ann Campbell. Consciente del impacto que sobre el público masculino tenía la cantante después de haberla contratado para alguno de sus conciertos, Freed dispuso lo necesario para que su interpretación de “mamá (Can I go out tonight )” fuera al mismo tiempo inocente y sugerente. Rubia y aspecto frágil, Campbell era de Jacksonville – Florida) y su primer interés profesional había sido el baile, aunque he decidido dejarlo para dedicarse a la música en cuanto descubrió el rock and roll.

En 1958 ficho por el sello Gone Records , donde edito un puñado de buenas canciones cómo “You’re driving me mad”, “Rock and roll love, “Wassa matter with you” o la propia “Mamá can I go out tonight”, que apareció en marzo de 1959 sin demasiada repercusión , algo que se repitió con sucesivos lanzamientos. ya en los 60 tuvo un par de pequeños y efímeros hits retirándose del Show business a mediados de la década.

Aparte de ser también presencia habitual en el cartel de sus shows The Flamingos y Harvey Fuqua sabían además lo que era trabajar con Alan Freed en el cine, del reparto de rock rock rock. Harvey interpreta don’t be afraid of love, un tema estrenado unos meses antes de la presentación de la película en un sencillo del que Billboard afirmo qué “cuenta con el sonido del éxito” . Huelga decir que las predicciones de la revista no siempre se cumplían.
En cuanto a The Flamingos situación está mucho más elaborada que la del rock rock rock, escogiendo esta vez una dinámica revisión “Jump children” en lugar de una balada , lo que les permite realizar una muy creíble demostración de sus elaborados movimientos escénicos.



 

Film: Go Johnny Go


Ficha técnica:

Director Paul Landres
Fotografía Ed Fitzgerald – Jack Etra
Edicción : Walter Hannemann.
Productor. Alan Freed
Dirección artística McClure Capps
Guion : Gary Alexander
Características: 74 minutos de duración en blanco y negro.
Fecha de estreno: Junio 1959
Reparto: Alan Freed, Jimmy Clanton, Sandy Stewart, Chuck Berry, Jackie Wilson, Ritchie Valens, The Cadillacs, Jo Ann Campbell, The Flamingos, Harvey, Eddie Cochran, Herb Vigran, Frank Wilcox, Barbara Woodell, Milton Frame, Joe Cranston. Martha Wentworth, Robert Foulk, Phil Arnold, William Fawcett.

Sinopsis
Alan Freed narra la historia de como descubrió a su estrella Johnny Melody, a través de un concurso convocado para lanzar a un nuevo artista al que bautizar con ese nombre. Entre todas las demos recibidas , la que llama su atención es una que llega sin remitente por lo qué Freed tendrá que emplearse a fondo para encontrar al anónimo intérprete, quien resulta ser un joven huérfano ansioso por triunfar cómo cantante que no se ha enterado del revuelo que ha provocado su grabación.
……….
En la segunda mitad de 1958, Alan Freed llego a un acuerdo con Hal Roach Jr para que éste financiara la realización de dos nuevas películas que incluirían la presencia del afamado DJ y se lo darían íntegramente en los californianos estudios de Culver City qué Roach había comprado a su padre cuando éste decidió retirarse a mediados de la década. Estaba previsto que los títulos de las producciones fueran “The swinging story of Johnny Melody” y ” The Alan Freed rock and roll story pero pronto quedó claro que las habilidades empresariales de Hal no tenían nada que ver con las de su progenitor y la compañía terminó quebrando antes de que se llegara a plantear el rodaje de la segunda película acordada.
En cualquier caso el 26 de enero de 1959 Variety informaba de qué The Swingin Story of Johnny Melody – según otros medios el primer título habría sido en realidad “The Singin, story of Johnny Rock and roll” o simplemente “Johnny Melody” – sería finalmente estrenada como “Go Johnny Go”
El rodaje abarcó las últimas tres semanas de ese mes de enero desarrollándose sin mayores problemas y consiguiendo crear un producto que, a pesar de repetir patrones , conseguía un resultado marcadamente superior al compararlo con las cuatro anteriores intervenciones cinematográficas de Alan Freed.
La práctica totalidad de los artistas contratados para actuar en el film habían aparecido en el Alan’s Feeds Christmas Jubilee of stars , un Package show que desde el día de Navidad de 1958 y durante 11 jornadas consecutivas, ofreció en el Loew’s state Theatre de Nueva York, la actuación de una selección de intérpretes que incluía a Chuck Berry, Eddie Cochran, Ritchie Valens, The Cadillacs, Jackie Wilson, todos ellos presentes en Go Johnny go, o también, The Everly Brothers, Bo Diddley, Frankie Avalon, The Crest, The Royal Teens y Johnny Ray.

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Un espectáculo de éxito abrumador reflejado en los alrededor de 225000 dolares de recaudación .
El ánimo the Alan Freed necesitaba de triunfos similares para empezar el año 1959 con las fuerzas necesarias. Aún estaban recientes los disturbios ocurridos en Boston durante uno de los multitudinarios conciertos por él organizados, así como la rescisión de su contrato con WINS, la emisora de radio para la que había trabajado desde su llegada a Nueva York. Por si no bastará con tener dificultades legales y laborales, durante ese mismo 1958 se divorció de su segunda mujer, perdiendo la custodia de los dos hijos que el matrimonio tenía en común . Pero como no todo podía ser negativo, poco después de obtener la sentencia de divorcio Freed se casó por tercera vez. De igual manera no tardo en firmar un lucrativo contrato con la emisora WABC a cambio de 40.000 $ al año, lo que supuso un pequeño alivio para su castigada economía.

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Chuck Berry tenía también sus propias dificultades. La principal estrella de Go Johnny Go había sido arrestada en dos ocasiones durante el verano de 1958, multas por irregularidades en el registro de su vehículo, conducción temeraria, ocultación de un arma y por tener el permiso de conducir caducado. Aunque Chuck estaba convencido de encontrarse en el centro de una campaña de desprestigio su actitud arrogante y una irremediable atracción por el sexo opuesto despertaba la animosidad de aquellos que no veían con buenos ojos los logros conseguidos por el cantante guitarristata. Logros que solo en ese año se resumían citando éxitos como “Sweet little sixteen”, “Carol” o “Sweet little rock and roller” ; además de “Johnny be good”, cuyo estribillo había servido para dar su título definitivo a “Go johnny go” . De los dos temas que interpreta en la película “Little Queenie” es el que mejores ventas alcanzaría en los Estados Unidos, si bien “Memphis, Tennessee” se posicionaría mejor en los charts ingleses. Por otra parte y entrando ya en el terreno de lo anecdótico, cuando Chuck Berry aparece cantando Little Quinny en pantalla se puede ver a Alan Freed simulando acompañarle a la batería con gesto forzado.
Pero sigamos con los problemas legales de Berry , porque el mayor de ellos estaba aun por llegar… después de varias tentativas , en diciembre de 1959 fue detenido por violar el acta de Mann una ley federal qué prohíbe transportar mujeres de un estado a otro con propósitos inmorales y que, en la práctica, se usaba para condenar a aquellos hombres que habían mantenido relaciones sexuales con una menor. El bueno de Chuck había conocido a una joven llamada Janice Escalante en la población mexicana de Ciudad Juárez, ofreciendo de un trabajo en su club sin preocuparse por averiguar cuántos años tenía. Supo que era menor de edad cuando la policía ha aparecido por el local para interrogarle. En marzo de 1960 una sentencia judicial le condenaba a 5 años de prisión y 5000 $ de multa aunque, tras recurrir finalmente se redujo la pena a 3 años, manteniéndose el importe de la multa. Después de cumplir casi 2 años de internamiento, Berry fue puesto en libertad y retomó su carrera dónde la había dejado . Y habiendo cambiado, pues su carácter se había agriado, pero el reconocimiento de los grupos que protagonizaron la llamada British invasión sirvió, al menos, para compensarle moralmente por los malos tragos pasados.

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Go Johnny go , además de interpretar “Little Queenie” y “Memphis Tennessee” Chuck Berry tiene un papel destacado compartiendo con Alan Freed un desmedido entusiasmo por Johny Melody, personaje interpretado por Jimmy Clanton. Este cantante originario de Louisiana había logrado un gran éxito con “Just a dream” poco antes de ser reclutado para encarnar al protagonista del film que nos ocupa, interpretando una colección de temas entre los que destacan “it takes a long long time” “ángel face” y “Ship on a stormy Sea” junto a él aparece la cantante Sandy Stewart quién aprovecha para repasar “heavenly Father” y “Playmates” temas que el sello Atco clasificaría para su puesta a la venta en marzo de 1959.

continua

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Tema: Jump They say
Compositor: David Bowie
Álbum: Black Tie White Noise
Primera emisión: Marzo 1993 

En éste tema Bowie se basa una experiencia personal de índole muy cercana y de un caracter bastante sensible, en realidad tanto en la letra cómo en el clip se representa uno de los males más temidos e incomprendidos: La esquizofrenia, una complicada enfermedad mental, que Bowie llegó a conocer muy de cerca ya que la padecía su hermanastro Terry, quién, se quitó la vida ocho años antes de que el cantante grabase éste tema, que acompañó de un videoclip dirigido por Mark Romanek.

 

 

No es ningún secreto que Romanek se inspiro en el film La jetée (1962), de Chris Marker, para la creacion de éste videoclip.

Lo notamos por ejemplo en el modo en el que se incluyen algunos de los detalles más característicos del film…. las gafas de lupa que llevan los individuos que atosigan a Bowie, o todos esos elementos sencilos que son usados a modo de instrumentos para viajar en el tiempo al igual que en el film (la hamaca y gafas de aislamiento sensorial)

 

El Videoclip

  • Fecha de lanzamiento: 1993
  • Director: Mark Romanek.
  • Productora: Satellite Films
  • Efectos visuales: Ashley Beck y Steve Reiss

Habla de un hombre presionado por su entorno, que poco a poco le va dirigiendo al suicidio (“They say, jump!”) Bowie, apoarece impecable interpretando a un prestigioso ejecutivo mientras es observado y manipulado por sus superiores, quienes conspiran para llevarle a la locura.


 

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Terry y David

Terry Burns, que introdujo a Bowie en el budismo, el jazz y la poesía beat, se suicidó arrojándose a las vías del tren a la edad de 47 años tras una larga lucha contra la esquizofrenia.

Bowie echó la culpa del suicidio de Terry al riguroso tratamiento psiquiátrico que había recibido. A modo de crítica escribió éste tema “Jump they say” que se extrajo a modo de single de su álbum Black Tie White Noise

 

 

 

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“La locura era algo a lo que tenía un miedo terrible – dice Bowie – “Pero luego me sentí afortunado porque al ser un artista, siempre y cuando pudiera trasladar esos excesos psicológicos a mi música, todo iría bien”.

Letra:

When comes the shaking man
A nation in his eyes
Striped with blood and emblazed tattoo
Streaking cathedral spire

They say
They say
They say
He has no brain
They say
He has no mood
They say
He was born again
They say
Look at him climb
They say jump
They say jump
They say
He has two gods
They say
He has no fear
They say
He has no eyes
They say
He has no mouth

They say ‘hey that’s really something’
They feel he should get some time
I say he should watch his ass
My friend don’t listen to the crowd
They say jump
They say jump
Watch out!

Watch out!
Watch out!

They say ‘hey that’s really something’
They feel he should get some time
I say he should watch his ass
My friend don’t listen to the crowd
They say jump
Got to believe somebody
They say jump
Jump
Got to believe somebody
They say jump
Jump
Got to believe
They say jump
Got to believe somebody
Jump
Got to believe
Jump
Got to believe somebody
Jump
Got to believe
Jump
Got to believe somebody
Jump
They say jump
They say jump
They say jump
They say jump


 

La Jetée 1962

“Esta es la historia de un hombre marcado por una imagen de su infancia” / La Jetee 1962

SECUENCIA DE LA JETÉE

En contexto

Género: Fantástico
Dirección: Chris Marker
Guion: Chris Marker
Reparto: Jean Negroni, Davos Hanich, Helene Chatelain , Jacques Ledoux

Dirigida por el enigmático Marker La Jetee  (El muelle)  es un clásico del género fantástico que conserva su capacidad de impresionar al espectador pese a que es el remake de Terry Gilliam, 12 monos (1995) , le haya hecho sombra. No obstante, las dos películas no podrían ser más diferentes.
Con menos de 30 minutos de duración y compuesta casi por completo por fotografías fijas, La Jetée describe el viaje de un hombre al pasado , dónde presencia un trágico acontecimiento que determina su vida desde la infancia .

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Un sueño casi olvidado

Mundo post apocalíptico que presenta esta película no es desasosiega de manera sutil. La dulce Voz del narrador introduze al espectador en la piel del protagonista, mientras oye los murmullos que los científicos amorales que urden sus planes este es el único diálogo de la película.
Viene precisamente en este silencio y de la inmovilidad.
En este film el viaje en el tiempo sirve de pretexto para examinar la naturaleza de la memoria. El protagonista observa y vive momentos del pasado, una visita a un museo, una cita amorosa y sobre todo el suceso traumático que ha forjado su carácter. Sin embargo el hecho de ser consciente de este suceso diluye su realidad. La película sugiere que lo que pertenece al pasado no existe más que como una breve imagen instantánea, una fotografía, de imágenes fijas para estructurar la historia. El viaje emocional del protagonista queda compensado por la reflexión filosófica en uno de los finales del mundo más inimaginables que ha mostrado jamás el cine.

Se realizó filmando una serie de fotografías que dan contexto a la narración que las acompaña y apenas cuenta con una breve secuencia de imágenes en movimiento.

12 monos (1995), de Terry Gilliam, se inspiró en La Jetée.

*David Bowie también se inspiró en esta película para el videoclip de la canción Jump, They Say (1993), dirigido por Mark Romanek.

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Chris Marker

 1921–2012

Christian François Bouche-Villeneuve

Chris Marker nació el 29 de julio de 1921 en Neuilly-sur-Seine, Hauts-de-Seine, Francia como Christian François Bouche-Villeneuve. Fue director y escritor, conocido por Doce monos (1995), Sans soleil (1983) y Description d’un combat (1960).

Murió el 29 de julio de 2012 en París, Francia.


Antes
1953 Marker trabaja con Alain Resnais en el controvertido sí sobre el arte africano: Las estatuas también mueren

Después

1977 en Le Fond de l`air est rouge , Marker documenta el radicalismo político tras las revueltas de mayo de 1968

1983 Marker amplía los límites del documental con Sans Soleil una reflexión sobre la historia del mundo y la incapacidad de la memoria para recuperar el contexto y los matices.


Filmografía adicciónal

El último hombre vivo 1971
Cuando El destino nos alcance 1973
Mad Max 1979
12 monos 1995
La carretera 2009


Información extraida: * Wikipedia, * El libro del Cine.

Género: road movie
Dirección: Dennis Hopper
Guion: Peter Fonda, Dennis Hopper , Terry Southern.
Reparto: Peter fonda, Dennis Hopper, Jack Nicholson

Easy Rider 1969
Son pocas las películas que han reflejado mejor una época que Easy Rider coma de Dennis Hopper y Peter Fonda, la quinta esencia de la Road movie estadounidense, protagonizada por dos jóvenes, medio hippies , medio delincuentes, que, a lomos de su Harley Davidson emprenden un viaje hacia la libertad.


 

El final de la década de 1960

La película no presenta un argumento real ni un viaje emocional. Aunque su simbolismo puede parecer pasado de moda, su valor de testimonio de la cultura de su tiempo es innegable.

Estrenada en 1969, cuándo  los jóvenes proclamaban su rechazo a los valores de la generación anterior dejándose el pelo largo y refugiándose en la música y las drogas Easy Rider reflejó este estado de ánimo y fue aún más allá.
Peter Fonda, productor, co- guionista y protagonista de la película, concibió el proyecto tras haber interpretado a un líder de una banda de moteros en<.  “Los Ángeles del Infierno “ (1966)
Y a un publicitario adicto al LSD en “The Trip “ (1967) dos films que tuvieron una entusiasta acogida entre los jóvenes. Parecía lógico que el siguiente paso fuera unir los dos temas , moteros y drogas, en una misma película.
Fonda escribió el guión con Terry Southern y Dennis Hopper, también co-protagonista y director. Al principio la decisión de nombrar director a Hopper pareció nefasta coma ya que el rodaje amenazaba con estancarse entre atracones de droga y peleas a gritos , y fonda estuvo a punto de tirar la toalla, pero quizás fuese esa misma anarquía la que hizo de Easy Rider un símbolo de su época. Hopper sentía que formaba parte de una revolución, y la naturaleza caótica del proyecto era un gesto de rebelión.

Se dice que el metraje final duraba unas 3 horas. Hopper decidió cortar detalles de la historia hasta dejar una serie de imágenes y momentos más o menos conexos, unidos por una banda sonora atronadora.

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De oeste a este

Los protagonistas parecen vaqueros modernos cabalgando en sus Harley Davidson en busca de la libertad. Incluso sus nombres Wyatt (Peter Fonda) y Billy (Dennis Hopper) recuerdan a los héroes del Oeste Wyatt Earp y Billy el Niño. En realidad son traficantes de drogas a la deriva que se dirigen al este porque el Salvaje Oeste ya no existe.
Sus alforjas están llenas de dinero que han ganado vendiendo droga, e incluso el abogado borracho (Jack Nicholson) que se les une por el camino acaba pareciendo mucho más rebelde que ellos.

El título del film evoca la imagen de unos motoristas rodando relajados, pero de hecho es una expresión en argot que designa a un hombre que vive de una prostituta.
La cruda violencia de Easy Rider hace que la película no sea un viaje hippie sino una incoherente explosión de frustración la expresión del fin del idealismo de la generación anterior.


  • Antes:  (de Easy Rider)

1953Marlon Brando encarna al líder de una banda de moteros en “salvaje” , primera película en qué aparece el personaje del delincuente en moto.
1960– Al final de la escapada de Jean- Luc-Goddard, prefigura Easy Rider con la huida por carretera y con los saltos de montaje.

  • Después:  (de Easy Rider):

1976– Easy Rider inspira numerosas road movies como “En el curso del tiempo” de Wim Wenders.


Dennis Hopper – Actor y director

Dennis-Hopper

Actor , escritor , director y fotógrafo, Dennis Hopper fue una de las figuras más polifacéticas e impredecibles de Hollywood.

Nacido En 1936 en Dodge City (Kansas ) , demostró muy pronto sus dotes artísticas y estudio en el Actors Studio de Nueva York con el legendario Lee Strasberg.

Hopper comenzó trabajando en televisión, pero no se hizo famoso hasta que dirigió y protagonizó Easy Rider. Posteriormente, el consumo de alcohol y drogas frenó su ascenso, aunque dirigió y protagonizó el excelente drama Punk “Caído del cielo” . Al final, tras someterse a un programa de rehabilitación en 1983, su carrera volvió a despegar gracias a su magnífica interpretación en filmes como Terciopelo azul y en varios papeles de malo.
Falleció en 2010 cómo consecuencia de un cáncer de próstata.


  • Películas principales
    1969 – Easy Rider
    1979 – Apocalipsis now
    1980 – Caído del cielo
    1986 – Terciopelo azul

El director ha declarado que no habrá más secuelas después de Glass. Por lo tanto, este film cierra la llamada trilogía de Shyamalan.

Glass, el final de la trilogía conformada por El protegido y Múltiple, llega a nuestros cines el 18 de enero de 2019.

Después de El protegido, Bruce Willis retoma el papel de David Dunn y Samuel L. Jackson encarna a Elijah Price, conocido también como Mr. Glass. James McAvoy vuelve a interpretar a Kevin Wendell Crumb y las múltiples identidades que residen en él. Anya Taylor-Joy es Casey Cooke, la única cautiva que sobrevivió a un encuentro con La Bestia.

A éste reparto vuelven a unirse Spencer Treat Clark y Charlayne Woodard que ya estuvieron en El Protegido y que retomarán sus papeles como hijo de Dunn y madre de Price.

Ficha técnica de Glass

Fecha de estreno: 18 de enero de 2019

País: Estados Unidos

Dirección: M. Night Shyamalan

Guion: M. Night Shyamalan

Reparto: James McAvoy, Bruce Willis, Samuel L. Jackson, Anya Taylor-Joy, Shayna Ryan, Spencer Treat Clark, Charlayne Woodard, Sarah Paulson

Productora: Blumhouse Productions, Distribuida por Universal International Pictures

Sinopsis

David Dunn (Bruce Willis), Kevin Wendell Crumb (James McAvoy) y Elijah Price (Samuel L. Jackson) están encerrados en un psiquiátrico. Pero no por mucho tiempo. Price, o más conocido como Mr. Glass, se aprovechará de La Bestia para escapar de allí. Dunn deberá detener a la bestia mientras lucha contra su propia fragilidad.