Joker

Joker – Warner Bros.

Año: 2019

Duración: 121 min.

Dirección:  Todd Phillips  / Guion: Todd Phillips, Scott Silver

 

Desde el principio la salida de éste filme creó una gran expectación. Los seguidores de cómics , entre otros, suelen seguir la puesta en escena de sus personajes de ficción y ésta no iba a ser la excepción .

También desde el principio se dijo que la película podía ser comprometida y problematica por si algun que otro espectador se sentia identificado con su protagonista y  decidiese actuar  de una forma violenta , tal y como sucede en el filme, pero éstas primeras impresiones, carentes de sentido no tenian ningún fundamento aunque el rodaje fue sometido a censura y se eliminaron escenas concretas.

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Las críticas más tempranas ya revelaron el potencial de ese nuevo Joker interpretado por Joaquín Phoenix. Ya visionaron la gran interpretación y, antes de que tuviera lugar la ceremonia de entrega de Oscars , Phoenix era el claro ganador a ojos de todos, de modo que, en este aspecto al menos, no hubo sorpresas.
Descomunal interpretación y brillante transformación la de el pobre hombre enfermo al que la sociedad pisotea despiadadamente dándole totalmente la espalda hasta convertirlo en uno de los mayores villanos.

Joker transforma todo su dolor en una agónica sonrisa que viene a ser “su grito de guerra final”…. venganza!! .
Su locura desata pasiones en la majestuosa caracterización de Phoenix. … pintando en su rostro una risa tan traumática y desesperada que te lleva a sufrir dentro de un personaje digno de lastima , amargado, atrapado en una vida cutre de enfermedad y locura en la que se enfrenta a diario a las burlas de los demás… (puro buying)
Es el nacimiento de Joker, justo “el antes” de pasar a convertirse en un villano , mientras su archi – enemigo Bruce es tan sólo un niño que pierde a sus padres , ambos asesinados a manos de un fanático ante sus propios ojos. Es el comienzo de todo, lo cual tiene ese atractivo extra para todos los seguidores de la saga de filmes dónde aparece éste sanguinario personaje.

A pesar de todo el filme sufrió la censura en muchas escenas que fueron eliminadas por  su contenido de carácter violento. (a mi parecrer una pena pues se eliminaron también los verdaderos instintos primarios del joker)


Del propio dolor dibuja una sonrisa y con su peculiar locura crea su propio bando .

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“vosotros la sociedad decidís lo que está bien o mal y lo que tiene gracia o no .” –  Frase de Joker.


A pesar de todo, su director Todd Phillips quiso dejar el final abierto a cualquier posibilidad que pudiese surgir , lo hizo cuándo declaró que, habia muchos modos de entender la película:

“Esta es solo de una visión de los orígenes del personaje, solamente una versión de un tipo que está narrando su historia desde una institución mental. No creo que sea la fuente más fiable del mundo”

Todd Phillips

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De cualquier modo, JOKER rompió records de taquillas y se alzó con un gran número de premios:
 
– 2 Premios Oscar: Mejor actor (Joaquin Phoenix) y banda sonora.
– Globos de Oro: Mejor actor (Phoenix) y música original.
– Premios BAFTA: Mejor actor (Phoenix), banda sonora y reparto.
– Festival de Venecia: León de Oro (Mejor película)
– American Film Institute (AFI): Top 10 – Mejores películas del año
– Critics Choice Awards: Mejor música y actor (Joaquin Phoenix).
– Sindicato de Actores (SAG): Mejor actor (Joaquin Phoenix)
 
– Satellite Awards: Mejor guion adaptado y música.
 

 

Warner Bros. ha “soltado” este documental de unos 22 minutos de duración ” Behind the Scenes “, donde tanto el director del filme  Todd Phillips como Joaquin Phenix comparten detalles inéditos sobre la película y el proceso creativo de la historia de Joker

Joker | Behind The Scenes with Joaquin Phoenix and Todd Phillips | Warner Bros. Entertainment

By  Warner Bros. Entertainment

 

 


Joaquín Phoenix
El mejor Joker de la historia del cine

Joaquín Rafael Bottom  es su verdadero nombre, nació el 28 de octubre de 1974 en San Juan de Puerto Rico, en el seno de una familia hippie. Fue el Tercero de cinco hermanos – River, Rain, Joaquín, Liberty y Summer – y sus padres John y Arlyn Bottom, se habían conocido en 1969 haciendo autostop en California, poco antes de viajar a Sudamérica para unirse a la secta de “los niños de Dios” como misioneros. En 1978, Joaquín tenía 3 años cuando sus padres empezaron a recelar del comportamiento del líder de la secta, David Berg , y la abandonaron antes de que el grupo se derrumbará en medio de acusaciones de abusos sexuales, corrupción de menores y prostitución.

“Mis padres se unieron a los niños de Dios pensando que habían encontrado una comunidad que compartía sus ideales. Las sectas nunca se anuncian como tales. Pero en el momento en que se dieron cuenta de que había algo más, la dejaron y nos fuimos” – explico Joaquín.

Tras la experiencia pasaron a apellidarse Phoenix – por el mítico ave fénix que renace de sus cenizas – cómo símbolo de la nueva vida que iniciaban.

Vivió su infancia y adolescencia en Los Ángeles y , con el nombre de Leaf Phoenix empezó a actuar en la calle con sus hermanos para sobrevivir.
Entre espectáculo y espectáculo, acudía a audiciones.
“estábamos en la ruina, así que cada vez que íbamos a una audición o a un rodaje nos volvíamos locos con las bandejas de comida” 

Su carrera comenzó en 1982 , con 8 años, con su aparición en anuncios y series cómo “canción triste de Hill Street” y “se ha escrito un crimen”.
Muy pronto, como le ocurrió a su hermano River, su talento interpretativo despertó el interés de los productores, debutando en la gran pantalla con “SOS equipo azul” (1986) luego protagonizó “Rusos” (1987)  

Su papel en dulce hogar…a veces! (1989) , donde interpretaba al sobrino de Steve Martin , fue muy bien recibido por la crítica que le colgó rápidamente la etiqueta de estrella infantil. Joaquín se sintió desbordado. No solo por su éxito, sino también por el de su hermano River, qué fue nominado a los Globos de Oro a los 15 años por “un lugar en ninguna parte”

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Joaquín vivía la fama como una amenaza, temía que le sobrepasará y decidió dejar un tiempo su carrera de actor para dedicarse a viajar con su padre por sudamérica.
Después de 4 años, regreso a Los Ángeles y protagonizó un trágico episodio que le convirtió de nuevo en el centro de atención de los medios.

La Muerte de River

La madrugada del 31 de octubre de 1993, su hermano River murió a causa de una sobredosis de drogas a las puertas del club the Viper room propiedad de Johnny Depp. Joaquín, que tenía 19 años, llamó a una ambulancia, pero los médicos no pudieron hacer nada y vio morir a River. Aquella llamada se transmitió una y otra vez durante días, en las radios y televisiones de todo el país. Entonces se gestó su rechazo a la prensa y su afán por mantener su vida personal al margen de la esfera pública .

Una de sus películas le llevo al alcoholismo

Después de 2 años alejado del cine para recuperarse de aquel golpe, regresó dispuesto a dedicarse en cuerpo y alma a su carrera. En 1995, rodótodo por un sueño” que protagonizó Nicole Kidman , y en 1997, participo en otro éxito ,“el secreto de los Abbott”.

El nombre de Joaquín Phoenix empezaba a sonar con fuerza en Hollywood y en el 2000 su interpretación del emperador romano Cómodo en “Gladiator” le valió su primera nominación a los Óscar como mejor actor secundario.


Después llegarían “Quills” (2000) y poco después  “Señales” (signs) (2002) y “El bosque” (The Village) (2004) en las que trabajó para el director Night Shyamalan, justo antes de repetir nominación – esta vez a mejor actor en el 2005 –  por “En la cuerda floja” , filme en el que interpretaba al cantante de country Johnny Cash , que tuvo serios problemas con el alcohol. Tanto se metió en su personaje que, no solo aprendió a tocar la guitarra y a cantar , sino que al finalizar el rodaje, era incapaz de prescindir de la bebida, y tuvo que ingresar en un centro de rehabilitación.

” yo me veía como un auténtico hedonista, era un actor en Hollywood que se lo quería pasar bien. Pero en realidad, era un idiota que iba por ahí bebiendo y fastidiando a la gente” – reconoció en el New York Times.

Otro efecto de “en la cuerda floja” es que Joaquín se dio cuenta de que tomaba el cine tan en serio qué dejó de divertirle. Asi el filme “I’m still here” (2010) fue un punto de inflexión en su carrera. Falso documental, dirigido por su cuñado Casey Affleck, Joaquín se interpretaba a sí mismo y anunciaba que dejaba de actuar para ser cantante de rap. Todo el mundo se lo creyó incluso el periodista David Letterman, que le entrevistó en su famoso programa de televisión. Allí, Phoenix apareció con el pelo enmarañado , gafas de sol y actúo como si hubiese perdido totalmente la cabeza. Poco después, explico la verdad:  Todo había sido una enorme broma qué se les había escapado de las manos.

“hacer “I’m still here” fue una experiencia liberadora y renovadora . Descubrí una nueva forma de actuar, bien pensé que había destruido mi carrera porque, durante un tiempo, no me ofrecieron ningún papel interesante.

Estudiar y adelgazar mucho para ser el Joker

Joaquín siguió trabajando protagonizó the master 2012, donde interpretó a un seguidor de la Cienciología que le llevó de nuevo a aspirar a un Óscar.

“Her” (2013) dónde era un hombre que se enamora de un sistema operativo; “hombre irracional” (2015) a las órdenes de Woody Allen, y su último bombazo ” Joker” donde dá vida al perverso enemigo de Batman: Arthur Fleck

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” Tuve sentimientos encontrados hacia el personaje cuando leí el guión. Supuso un gran desafío. Interpretar al Joker a veces es inquietante e incómodo pero me hizo sentir una reacción emocional muy fuerte. Y eso es lo que busco en una película”

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El actor que se pasó 8 meses preparando un papel para el que adelgazo 23 kg, estudió meticulosamente diferentes trastornos de la personalidad y ensayó continuamente la risa de su maléfico personaje.

En 2020 obtuvo , cómo era de esperar el oscar como Mejor Actor para Joaquin Phoenix por su papel en  Joker.  Premios Oscar 2020

 

Sus Parejas

Si su carrera cinematográfica es extensa, no menos lo es su lista de amores. Su primera novia fue Fernanda Vindiola ,que tocaba en el grupo musical de su hermano River, con la que salió en 1994. Al año siguiente, comenzó una relación con la actriz Liv Tyler , a la que conoció en el rodajé de “el secreto de los Abbott” y con la que estuvo 3 años. Después vendrían romances varias modelos: Jessica Joffe, la ex miss Noruega Inger Lise Ebeltoft, la sudafricana Topaz Page- Green, hora del lunchbox food (ONG de la que forma parte el actor) y la griega Teuta Memedi.

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En el 2009 inicio una de sus relaciones más estables con la bailarina cantante e instructora de yoga Aria Crescendo, qué fue su novia hasta el 2013. A finales de ese año, en compañía de la DJ Allie Teilz su novia hasta el 2015.

Desde hace 3 años mantiene una relación conmaria-magdalena la actriz estadounidense Rooney Mara, a la que conoció en el rodaje de “Hersin que entonces surgiera la química entre ellos. Tuvieron que esperar a su reencuentro en el 2016 en el rodaje de María Magdalena , para que la puerta del amor se abriera definitivamente.

Su historia va tan en serio que en una de sus escasas apariciones en público en el estreno de Joker todo el mundo vió que la actriz lucía un inconfundible anillo de compromiso.


Otros enlaces:

JOKER

Arthur Fleck


 

A la sombra de la estrella 

Comiéndose el mundo del espectáculo, en el que su madre era la actriz Debbie Reynolds , su padre el cantante Eddie Fisher y la mejor amiga de su madre Elizabeth Taylor, por quién Fisher abandonaría después a Reynolds, la carrera de Carrie Fischer en el cine podía no haber sido difícil , y sin embargo su vida ha sido muy complicada .

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Carrie Fisher fumaba marihuana de forma habitual, y durante el rodaje de de La Guerra de las Galaxias pasó a los alucinógenos y a los analgésicos , y se le diagnosticó una depresión. Sin embargo, mientras su trabajo como actriz ha sido ha sido solo esporádico, a utilizado su , en ocasiones, vida traumática como materia prima para una segunda carrera como escritora.

” De lo más común es la tendencia a la promiscuidad sexual, gastos excesivos y abuso de sustancias – dice ella de su propio trastorno bipolar – lo sé, para algunas personas es como vivir un fin de semana fantástico en Las Vegas”

del libro ” Historia negra de Hollywood .

Muerte de Carrie

Carrie Fisher murió el martes, 27 de diciembre de 2016 cuatro días después de sufrir un infarto en un vuelo entre Londres y Los Ángeles.

El análisis toxicológico reveló que la actriz consumió cocaína y éxtasis horas antes de sufrir el infarto.

Su madre Debbie Reynolds falleció el día después que su hija, no pudo aguantar el golpe y sufrió un accidente cerebrovascular. y es que, en realidad, durante años Carrie fué adicta a la cocaina e hizo uso de otras sustancias que la hicieron inestable y problemática. 


SIEMPRE NUESTRA PRINCESA

El legado de Fisher estará siempre ligado a su papel como la princesa  Leia, en  la saga de La Guerra de las Galaxias, la primera de las cuales se estrenó en 1977 cuando tenía tan sólo 19 años. Aunque también participó en otros muchos films, tanto para el cine como en series de televisión mediante multitud de participaciones !!. Fue además guionista y supo sacar partido de su experiencia personal y su adicción a las drogas para plasmar sus sentimientos y miedos en sus libros.

Fisher intervino reescribiendo sus propios diálogos en la segunda entrega de la mítica saga : ‘El imperio contraataca, así como también reescribió algunas de las escenas más emotivas de ‘Star Wars: Los últimos Jedi’, como por ejemplo el reencuentro entre Luke Skywalker (Mark Hamill) y Leia

Rian Johnson, el director de éste último filme explicó cómo fué la intervención de  Carrie Fisher en algunas de éstas escenas, lo hizo durante la entrevista concedida en  The Daily Beast .


CARRIE Y LA MÚSICA

El beatle Ringo Starr llamó a su amiga Carrie para la grabación de un clip musical  un año después del esteno de “La guerra de las galaxias”

El tema del clip es “You´re sixteen” y puso de manifiesto una de las relaciones amistosas de las que menos se hablaron . El día que se hizo pública la muerte de Fisher, el ex – Beatle comentó desde su cuenta de facebook:

“Dios te bendiga Carrie Fisher… paz y amor a su familia, amigos y legión de fans”

 

 

Carrie contrajo matrimonio con el músico Paul Simon en 1983, matrimonio que no duró mucho pero que dejó una pequeña huella musicalmente hablando de parte del músico hacia Carrie:  “Hearts & Bones” 

También fue pareja de Dan Aykroyd, (The Blues Brothers). Aunque su última gran amistad dentro del mundo músical fue James Blunt


Sus Libros

Postales desde el filo (Postcards from the edge, 1987)

Primer libro de memorias, donde relata la historia de una actriz de cine que, en proceso de rehabilitación, trata de entender lo que pasó con su vida y cómo es que llegó a uncentro de rehabilitación .

Bendito alcoholismo (Wishful drinking, 2008)

Obra centrada en sus padres, la actriz Debbie Reynolds y el cantante Eddie Fisher (quien la abandona para casarse con Elizabeth Taylor), su enfermedad mental y su tratamiento.

Shockaholic (2011)

Segundo libro de memorias, donde la actriz nos cuenta sus problemas con el alcohol y las drogas, su relación con Hollywood y las terapias que recibió con electroshock

El diario de la princesa (The princess diarist, 2016)

Recuerdo íntimo y revelador de lo que sucedió dentro y fuera de “Star Wars episodio IV: Una nueva esperanza”, además de reflexionar sobre la fama y el absurdo de una vida inventada por la realeza de Hollywood

Leer Más… Filmografía

Brandon Lee 2Hijo de Linda Emery y el mítico Bruce Lee maestro en artes marciales.

Obtuvo su primer trabajo profesional como actor en el film: Kung Fu: La Película,  que se estrenó el 1 de febrero de 1986, grabada con David Carradine, a través de la Cadena Televisiva ABC , justamente cuando Brandon cumplía 21 años de edad. Cómo resultado de la buena acogida en general, se realizó también una serie televisiva llamada: Kung Fu  ideada por su padre, y donde se le ofreció un papel secundario interpretando a un personaje llamado: “Chung Wang”

 

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Después obtuvo un papel cómo protagonista en Legacy of Rage un film de acción grabado en Honk kong y dirigido por Ronny Yu, junto a otros actores de reparto cómo Michael Wong, Regina Kent y Bolo Yeung  .

En éste film, que se estrenó el 20 de diciembre de 1986, interpretó el papel de Brandon Ma .

A pesar de que se le ofreció rodar la secuela de la pelicula, no accedió a ello ya que quería desvincular su nombre de el de su padre y realizar su propia trayectoria evitando las siempre odiosas comparaciones , por ello puso como punto de mira “Hollywood”

En junio de 1987 se estrena Kung Fu: The Next Generation continuacion de la serie de televisión Kung Fu. También apareció en la segunda temporada de la serie de televisión estadounidense Ohara protagonizada por Pat Morita  (el “señor Miyagi” en Karate Kid )

  • 1986 – (Kung Fu: La película) – Película de Televisión
  • 1987 – (Kung Fu: La próxima generación) –Episodio piloto, transmitido en el CBS Summer Playhouse
  • 1988 – (Ohara) – Episodio “What’s in a Name

En 1988, obtiene el papel de Michael Gold en la película de acción y espionaje Laser Mission al lado de Ernest Borgnine, y que se estrenó en noviembre de 1989 con muy bajo presupuesto.

En 1991 protagonizó Showdown in Little Tokyo, junto a Dolph Lundgren y es mediante su actuación en éste film de acción policial, que fué llamado para firmar un contrato en calidad de protagonista, con la cinematográfica  20th Century Fox para rodar  un número de tres películas. Brandon consigue de éste modo irrumpir dentro del cine norteaméricano, tal y cómo era su deseo inicial.

 TRES FILMS PARA LA 20th Century Fox

Rapid Fire  es la primera película realizada para la Century y que se estrena el 21 de agosto de 1992, en ella interpreta a Jake Lo. Por desgracia no pudo completar este contrato y las otras dos películas terminaron quedándose en el tintero.

Ese mismo año durante la promoción de Rapid fire en Suecia, el director Richard Holm le pide que realice un cameo para su película Sex, Lies and Video Violence, a lo que Brandon accede . No es hasta el año 2000, que se estrena , es decir, siete años después de la muerte de Lee.

NUEVO CONTRATO CON “Dimension Film”

Y es aquí cuándo la productora Dimension Films le ofrece, a través de Edward R. Pressman, un nuevo contrato para protagonizar tres películas. Una de ellas es tan sólo un proyecto, que consiste en la adaptación cinematográfica del comic de James O’Barr: The Crow. Lee que desea interpretar a Eric Draven convence a Pressman  para que le dé el papel, y lo consigue .

 

No sé si es mi destino el interpretar este papel, pero me siento muy afortunado de poder hacerlo. Es un papel maravilloso, realmente es un papel con el que puedes arriesgarte. Te da una oportunidad de tomar esos riesgos y llevarlos más allá. Porque dime ¿cómo se va a comportar alguien que regresa del más allá? Eso es lo que me gusta de interpretar a este personaje, es real… porque no hay reglas sobre como va a comportarse una persona que regresa de la muerte.

He hecho otras películas que han sido violentas, pero tengo que decir que nunca he hecho algo en donde sintiera que la violencia estaba tan justificada como en The Crow. No necesitamos preocuparnos por la compasión. Esto es justicia, sinceramente creo que si yo me encontrara en la misma situación haría exactamente lo mismo que él. El tiene asuntos que arreglar y está obligado a poner a un lado su propio dolor para cumplir su misión.

Brandon Lee

Falleció el 31 de marzo de 1993 a la edad de 28 años mientras rodaba una escena del film “The Crow” (el cuervo) .

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La escena consistia en que lee entraba al apartamento y descubría que su novia estaba siendo asaltada por unos “matones” , entonces se producía un forcejeo y uno de los villanos Funboy”  efectuaria disparos contra Lee con un revólver cargado con balas de fogueo pero algo falló y el disparo contra éste fué real.

Brandon se desplomó al recibir el impacto en el abdomen causado por el personaje que interpretaba el actor  Michael Massee a una distancia de entre 3,6 y 4,5 metros y que le causó la muerte horas más tarde.

Parece ser que el revólver que se utilizó (un Magnum del calibre 44) alojaba una bala antigua en el tambor que pasó desapercibida para uno de los encargados. La escena que sale en el film no es en la que murió realmente Brandon, en contra de lo que algunos creen. La fatídica escena se suprimió y fué regrabada.

Por petición de la novia y la madre del actor fallecido, el film pudo terminarse y ver la luz.

Se utilizaron dobles de cuerpo, y se superpuso la cara de Lee para los 52 planos que faltaban por rodar. Cuando se estrenó la película fue más un tributo o despedida hacía el actor que un estreno .

TRAILER DEL FILM (1994)


Otros Links:

El País : Las Catastróficas negligencias que acabaron matando a Brandon Lee.

 

Zelanda Wynn Valdes

Primera diseñadora de moda afroamericana

Más de medio siglo antes antes de que las modelos “curvies” llegasen a las pasarelas y a las portadas , hubo una diseñadora que supo ver qué son los vestidos que deben adaptarse a los cuerpos de las mujeres y no al revés.

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Se llamaba Zelda Wynn Valdés y en 1948 fue la primera modista afroamericana en abrir su propia tienda en Nueva York, “Ched Zelda”.
Su boutique se convirtió en un refugio para aquellas mujeres negras que estaban cansadas de sentir el racismo que imperaba entonces en la sociedad cada vez que iban a comprar ropa en las tiendas cuyos propietarios eran blancos; o para clientas blancas que buscaban prendas diferentes y geniales.
Por su taller pasaron personalidades y artistas como las cantantes josephine Baker , Gladys Knight, y Ella Fitzgerald, las actrices Mae West y Marlene Dietrich, la soprano Jessye Norman y la esposa de Nat King Cole, Marie Ellington, a quién Zelda le diseñó el traje de novia.

Creativa y solidaria

Todas aquellas celebridades y numerosas damas de la alta sociedad neoyorkina estaban dispuestas a pagar más de 1000 € de la época por lucir uno de los magníficos diseños de Valdés , cuya fama creció como la espuma . Tanto, que incluso el editor de la revista Playboy , Hugh Hefner, le llego a proponer que diseñará algunas prendas para las camareras de sus famosos clubes nocturnos como el mítico disfraz de conejita Playboy.

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Además, Zelda también se dedicó al diseño teatral , llegando a crear el vestuario de más de 80 producciones del teatro de danza de Harlem, su principal ocupación hasta que murió, en el año 2001.

La importancia de esta gran mujer, que empezó su carrera en la sastrería de su tío, queda demostrada , no solo por su filosofía en contra de la tiranía de los cuerpos perfectos, si no también por su faceta más comprometida, que le llevo a fundar, junto con la pedagoga Mary McLeod Bethune. , la Asociación Nacional de moda y complementos, organización destinada a promover y dar oportunidades a los diseñadores afroamericanos.

La polémica

Según la actriz Maria Schneider el uso de la mantequilla a modo de lubricante nunca formó parte del guión. El director italiano siempre lo negó y achacó los problemas de la actriz a que no había sabido procesar adecuadamente la fama que le reportó la película, pero, en una entrevista en el 2013, Bertolucci reconoció que el detalle de la mantequilla se le había ocurrido a Brando el mismo día del rodaje, cuando desayunaban, y que ambos se lo habían ocultado a Schneider para que “su reacción fuera la de una chica no la de una actriz. Quería que sintiera la humillación, que gritara. Nunca me lo perdono”.

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A esa sombra que acompañó su carrera se sumo el escaso éxito comercial que consiguió su siguiente trabajo, “Novecento” (1976) , epopeya de 4 horas sobre la lucha de clases en Italia de la primera mitad del siglo XX.

Empieza el 27 de enero de 1901, cuando, coincidiendo con la muerte del compositor Giuseppe Verdi , no nacen en la hacienda berlíng-hieri dos niños: Olmo, hijo de trabajadores de la finca (Gerarard Depardieu) y Alfredo, nieto del patriarca (Robert De Niro). Durante el rodaje de “Novecento” se había enamorado de la británica Clare Peploe, su ayudante de dirección , con la que, divorciado de su primer matrimonio en 1972, se casó en diciembre de 1978.

 

Tras las dos películas menores –“la luna” (1979) y “la historia de un hombre ridículo” ( 1981) – Bertolucci se apartó del cine. Volvería 6 años después, para afrontar una super producción al estilo de Hollywood:  “El último emperador” (1987) explicaba el trágico devenir de Pu Yi, último representante de la dinastía Manchú. Ganó 9 Óscar, incluyendo los de mejor película , mejor guión y mejor Director. Ningún cineasta italiano lo había logrado antes.

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Dolor y Final

Su siguiente reto fue la adaptación cinematográfica de la novela de Paul Bowles, “El cielo protector”, con Debra Winger y John Malkovich interpretando a una pareja neoyorquina que intenta empezar de nuevo en África.

 

Cada vez más interesado por el mundo interior, rodó “Pequeño Buda”, con Keanu Reeves.  Tras “Soñadores” en el 2003 , su dolor crónico de espalda se agravó por culpa de una caída y una fallida operación que lo dejo en silla de ruedas.

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En el 2013 , pareció recuperar la alegría y la actividad con la que sería su última película, “tú y yo” pero un cáncer acabó con su vida.

Murió el 26 de noviembre, a los 77 años, en su casa de Roma. Su capilla ardiente, instalada en el Ayuntamiento de la capital , permitió que miles de italianos despidieran a su director de cine más internacional.

Mas información

 

Bernardo Bertolucci


El último emperador del cine de autor italiano

Nació en Parma (Italia) el 16 de marzo de 1940 en el seno de una familia intelectual. Su padre, Attilio Bertolucci , era un reconocido poeta y crítico de cine. Su madre Ninetta Giovanardi, daba clases de literatura. El matrimonio tuvo otro hijo, Giuseppe.

La familia se mudó a Roma cuando era adolescente, instalándose en la misma casa del barrio del TrPier_Paolo_Pasoliniastevere dónde vivía Pier Paolo Pasolini. Gran amigo de su padre , éste le brindo la primera oportunidad en el cine cuando tenía 20 años, había ganado el premio Viareggio por el libro de poemas “In cerca del mistere”.

“Un día Pier me dijo: ¿Te gustan las películas verdad? Porque voy a rodar una y quiero que me hagas de asistente en la dirección se llama “Accattone”. – Le dije que nunca había hecho de asistente y me respondió que él tampoco había dirigido ninguna ninguna película”




En su adolescencia había grabado cortos con su hermano en super 8, dejó sus estudios en la Universidad de Roma para poner el primer peldaño de una sólida carrera cinematográfica. Un año después rodó “la commare secca” (1962)
Impresionante historia sobre la muerte de una prostituta en un suburbio de Roma. Ganó un premio en el Festival de Venecia, pero los críticos cinematográficos italianos cargaron contra el joven director.
Esa resutó ser una constante en su vida.
Nadie es profeta en su tierra  –  y Bertolucci no fué precisamente la excepción.

Sentido de justicia

En su segundo filme demostró que era un narrador con personalidad propia: “Antes de la revolución” (1964) protagonizada por Adriana Asti, con la que tuvo un romance, explicaba como un hombre adinerado se replanteaba su vida y sus ideas trás la muerte de un amigo.

Una lucha interior que era la suya propia: Nacido en una familia burguesa se había afiliado al Partido Comunista por su sentido de justicia social y su aversión a la corrupción de la política italiana.

Los críticos volvieron a ser duros con la película (con música de Ennio Morricone), pero él no se rindió. Al poco, estrenaría dos de sus mejores trabajos: “La estrategia de la araña” (1970) y “el conformista”, del mismo año. Basadas en texto de Jorge Luis Borges y Alberto Moravia, ambas son reflexiones sobre el pasado fascista de Italia y tuvieron como director de fotografía al genial Vittorio Storaro , arrancando una longeva relación profesional entre ambos a la que Bertolucci se refería, con humor, como “la más apasionada historia de amor de mi vida” .
Con el cine como el eje principal de su vida, su esposa en la vida real, la escenógrafa María Paola Maino, se encargaba de la dirección artística de sus películas.

 

 

Su filme más erótico

“El conformista” influyó decisivamente en toda una generación de directores – especialmente en Francis Ford Coppola – que la estudió antes de dirigir “El padrino” – pero el pasaporte a la fama internacional de este hombre simpático, culto y de Psicología complicada fue “El último tango en París” que ingresó en la antología de filmes escandalosos de la historia del cine desde su presentación, en el Festival de Nueva York , en 1972.

La historia narra la relación sexual al límite en un apartamento abandonado de París entre Paul , un hombre maduro y viudo, y Jeanne , una joven de 19 años. Jean Louis Trintignant y Dominique Sanda tenían que protagonizarla, pero la timidez del primero y el embarazo de la segunda hicieron que Bertolucci le enviará el guión a Marlon Brando ( que estaba en la cima de su carrera y lo aceptó encantado) y optara por Maria Schneider una actriz totalmente desconocida, para el personaje de la joven amante. Quizás el cambio en el casting fue el secreto del éxito , pero lo cierto es que el film se convirtió en uno de los grandes títulos del cine de todas las épocas. Solo en EEUU recaudo 36 millones de dólares en taquilla y opto a dos Óscar (mejor director y mejor actor)

PROHIBICIÓN Y CASTIGO

Muy diferente fue el la cosa en Italia,  donde el Tribunal Supremo ordeno la destrucción de todas las copias y condenó a Bertolucci a estar 5 años sin derechos civiles por una ofensa al ” sentido común del pudor”.

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Marlon Brando y Maria Schneider (El último Tango en París)

También en la España franquista prohibió tajantemente su exhibición , dando lugar al curioso fenómeno de los peregrinos del erotismo: Cientos de españoles que, cruzaban la frontera para hacer larguísimas colas y ver la peli en los cines de Perpignan.


El último Tango en París consagró a Bertolucci como el gran director de la transgresión , pero también le persiguió durante toda su vida. Hasta su Muerte en el 2011,

Maria Schneider le acusó de que el abuso que había sentido durante el rodaje de la escena en la que el personaje era sodomizado la había hundido la vida, abocandola a las drogas y el desorden mental.

continua…

Film: Go Johnny Go


Ficha técnica:

Director Paul Landres
Fotografía Ed Fitzgerald – Jack Etra
Edicción : Walter Hannemann.
Productor. Alan Freed
Dirección artística McClure Capps
Guion : Gary Alexander
Características: 74 minutos de duración en blanco y negro.
Fecha de estreno: Junio 1959
Reparto: Alan Freed, Jimmy Clanton, Sandy Stewart, Chuck Berry, Jackie Wilson, Ritchie Valens, The Cadillacs, Jo Ann Campbell, The Flamingos, Harvey, Eddie Cochran, Herb Vigran, Frank Wilcox, Barbara Woodell, Milton Frame, Joe Cranston. Martha Wentworth, Robert Foulk, Phil Arnold, William Fawcett.

Sinopsis
Alan Freed narra la historia de como descubrió a su estrella Johnny Melody, a través de un concurso convocado para lanzar a un nuevo artista al que bautizar con ese nombre. Entre todas las demos recibidas , la que llama su atención es una que llega sin remitente por lo qué Freed tendrá que emplearse a fondo para encontrar al anónimo intérprete, quien resulta ser un joven huérfano ansioso por triunfar cómo cantante que no se ha enterado del revuelo que ha provocado su grabación.
……….
En la segunda mitad de 1958, Alan Freed llego a un acuerdo con Hal Roach Jr para que éste financiara la realización de dos nuevas películas que incluirían la presencia del afamado DJ y se lo darían íntegramente en los californianos estudios de Culver City qué Roach había comprado a su padre cuando éste decidió retirarse a mediados de la década. Estaba previsto que los títulos de las producciones fueran “The swinging story of Johnny Melody” y ” The Alan Freed rock and roll story pero pronto quedó claro que las habilidades empresariales de Hal no tenían nada que ver con las de su progenitor y la compañía terminó quebrando antes de que se llegara a plantear el rodaje de la segunda película acordada.
En cualquier caso el 26 de enero de 1959 Variety informaba de qué The Swingin Story of Johnny Melody – según otros medios el primer título habría sido en realidad “The Singin, story of Johnny Rock and roll” o simplemente “Johnny Melody” – sería finalmente estrenada como “Go Johnny Go”
El rodaje abarcó las últimas tres semanas de ese mes de enero desarrollándose sin mayores problemas y consiguiendo crear un producto que, a pesar de repetir patrones , conseguía un resultado marcadamente superior al compararlo con las cuatro anteriores intervenciones cinematográficas de Alan Freed.
La práctica totalidad de los artistas contratados para actuar en el film habían aparecido en el Alan’s Feeds Christmas Jubilee of stars , un Package show que desde el día de Navidad de 1958 y durante 11 jornadas consecutivas, ofreció en el Loew’s state Theatre de Nueva York, la actuación de una selección de intérpretes que incluía a Chuck Berry, Eddie Cochran, Ritchie Valens, The Cadillacs, Jackie Wilson, todos ellos presentes en Go Johnny go, o también, The Everly Brothers, Bo Diddley, Frankie Avalon, The Crest, The Royal Teens y Johnny Ray.

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Un espectáculo de éxito abrumador reflejado en los alrededor de 225000 dolares de recaudación .
El ánimo the Alan Freed necesitaba de triunfos similares para empezar el año 1959 con las fuerzas necesarias. Aún estaban recientes los disturbios ocurridos en Boston durante uno de los multitudinarios conciertos por él organizados, así como la rescisión de su contrato con WINS, la emisora de radio para la que había trabajado desde su llegada a Nueva York. Por si no bastará con tener dificultades legales y laborales, durante ese mismo 1958 se divorció de su segunda mujer, perdiendo la custodia de los dos hijos que el matrimonio tenía en común . Pero como no todo podía ser negativo, poco después de obtener la sentencia de divorcio Freed se casó por tercera vez. De igual manera no tardo en firmar un lucrativo contrato con la emisora WABC a cambio de 40.000 $ al año, lo que supuso un pequeño alivio para su castigada economía.

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Chuck Berry tenía también sus propias dificultades. La principal estrella de Go Johnny Go había sido arrestada en dos ocasiones durante el verano de 1958, multas por irregularidades en el registro de su vehículo, conducción temeraria, ocultación de un arma y por tener el permiso de conducir caducado. Aunque Chuck estaba convencido de encontrarse en el centro de una campaña de desprestigio su actitud arrogante y una irremediable atracción por el sexo opuesto despertaba la animosidad de aquellos que no veían con buenos ojos los logros conseguidos por el cantante guitarristata. Logros que solo en ese año se resumían citando éxitos como “Sweet little sixteen”, “Carol” o “Sweet little rock and roller” ; además de “Johnny be good”, cuyo estribillo había servido para dar su título definitivo a “Go johnny go” . De los dos temas que interpreta en la película “Little Queenie” es el que mejores ventas alcanzaría en los Estados Unidos, si bien “Memphis, Tennessee” se posicionaría mejor en los charts ingleses. Por otra parte y entrando ya en el terreno de lo anecdótico, cuando Chuck Berry aparece cantando Little Quinny en pantalla se puede ver a Alan Freed simulando acompañarle a la batería con gesto forzado.
Pero sigamos con los problemas legales de Berry , porque el mayor de ellos estaba aun por llegar… después de varias tentativas , en diciembre de 1959 fue detenido por violar el acta de Mann una ley federal qué prohíbe transportar mujeres de un estado a otro con propósitos inmorales y que, en la práctica, se usaba para condenar a aquellos hombres que habían mantenido relaciones sexuales con una menor. El bueno de Chuck había conocido a una joven llamada Janice Escalante en la población mexicana de Ciudad Juárez, ofreciendo de un trabajo en su club sin preocuparse por averiguar cuántos años tenía. Supo que era menor de edad cuando la policía ha aparecido por el local para interrogarle. En marzo de 1960 una sentencia judicial le condenaba a 5 años de prisión y 5000 $ de multa aunque, tras recurrir finalmente se redujo la pena a 3 años, manteniéndose el importe de la multa. Después de cumplir casi 2 años de internamiento, Berry fue puesto en libertad y retomó su carrera dónde la había dejado . Y habiendo cambiado, pues su carácter se había agriado, pero el reconocimiento de los grupos que protagonizaron la llamada British invasión sirvió, al menos, para compensarle moralmente por los malos tragos pasados.

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Go Johnny go , además de interpretar “Little Queenie” y “Memphis Tennessee” Chuck Berry tiene un papel destacado compartiendo con Alan Freed un desmedido entusiasmo por Johny Melody, personaje interpretado por Jimmy Clanton. Este cantante originario de Louisiana había logrado un gran éxito con “Just a dream” poco antes de ser reclutado para encarnar al protagonista del film que nos ocupa, interpretando una colección de temas entre los que destacan “it takes a long long time” “ángel face” y “Ship on a stormy Sea” junto a él aparece la cantante Sandy Stewart quién aprovecha para repasar “heavenly Father” y “Playmates” temas que el sello Atco clasificaría para su puesta a la venta en marzo de 1959.

continua

La Jetée 1962

“Esta es la historia de un hombre marcado por una imagen de su infancia” / La Jetee 1962

SECUENCIA DE LA JETÉE

En contexto

Género: Fantástico
Dirección: Chris Marker
Guion: Chris Marker
Reparto: Jean Negroni, Davos Hanich, Helene Chatelain , Jacques Ledoux

Dirigida por el enigmático Marker La Jetee  (El muelle)  es un clásico del género fantástico que conserva su capacidad de impresionar al espectador pese a que es el remake de Terry Gilliam, 12 monos (1995) , le haya hecho sombra. No obstante, las dos películas no podrían ser más diferentes.
Con menos de 30 minutos de duración y compuesta casi por completo por fotografías fijas, La Jetée describe el viaje de un hombre al pasado , dónde presencia un trágico acontecimiento que determina su vida desde la infancia .

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Un sueño casi olvidado

Mundo post apocalíptico que presenta esta película no es desasosiega de manera sutil. La dulce Voz del narrador introduze al espectador en la piel del protagonista, mientras oye los murmullos que los científicos amorales que urden sus planes este es el único diálogo de la película.
Viene precisamente en este silencio y de la inmovilidad.
En este film el viaje en el tiempo sirve de pretexto para examinar la naturaleza de la memoria. El protagonista observa y vive momentos del pasado, una visita a un museo, una cita amorosa y sobre todo el suceso traumático que ha forjado su carácter. Sin embargo el hecho de ser consciente de este suceso diluye su realidad. La película sugiere que lo que pertenece al pasado no existe más que como una breve imagen instantánea, una fotografía, de imágenes fijas para estructurar la historia. El viaje emocional del protagonista queda compensado por la reflexión filosófica en uno de los finales del mundo más inimaginables que ha mostrado jamás el cine.

Se realizó filmando una serie de fotografías que dan contexto a la narración que las acompaña y apenas cuenta con una breve secuencia de imágenes en movimiento.

12 monos (1995), de Terry Gilliam, se inspiró en La Jetée.

*David Bowie también se inspiró en esta película para el videoclip de la canción Jump, They Say (1993), dirigido por Mark Romanek.

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Chris Marker

 1921–2012

Christian François Bouche-Villeneuve

Chris Marker nació el 29 de julio de 1921 en Neuilly-sur-Seine, Hauts-de-Seine, Francia como Christian François Bouche-Villeneuve. Fue director y escritor, conocido por Doce monos (1995), Sans soleil (1983) y Description d’un combat (1960).

Murió el 29 de julio de 2012 en París, Francia.


Antes
1953 Marker trabaja con Alain Resnais en el controvertido sí sobre el arte africano: Las estatuas también mueren

Después

1977 en Le Fond de l`air est rouge , Marker documenta el radicalismo político tras las revueltas de mayo de 1968

1983 Marker amplía los límites del documental con Sans Soleil una reflexión sobre la historia del mundo y la incapacidad de la memoria para recuperar el contexto y los matices.


Filmografía adicciónal

El último hombre vivo 1971
Cuando El destino nos alcance 1973
Mad Max 1979
12 monos 1995
La carretera 2009


Información extraida: * Wikipedia, * El libro del Cine.

Hoy estuve  releyendo la novela escrita por H.G Wells, una de las que se encuentra entre mis preferidas desde la niñez, ya que siempre me ha llamó la atención y en la infancia hay conceptos que se hacen sumamente atractivos… a lo largo de la historia he podido ver además diversas películas o film basados en esta obra : el hombre invisible.

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El hombre invisible , novela de H.G Wells se publicó en 1897.

Son pocos los personajes interactuan en ella:

Griffin: el hombre invisible Jenny Hall – Dr. Arthur Kemp – Thomas Marvel.
Todo un clásico donde los haya y de obligada lectura, de la que se extrae siempre una lección importante o varias.

En esta ocasión en concreto  me llamó la atención la ignorancia de aquellos que se cruzan en el camino de “el hombre invisible”. Este personaje llamado Griffin que acaba siendo víctima de su propio ingenio, ya que mediante un accidente no puede volver a mostrarse tal y como era antes “visible” al resto

Al principio resulta pedante , engreído de una forma en la que casi llega a caerte mal , pero luego empatizas con la situación y se entienden ciertas actuaciones cortantes y frías con las que sólo intenta huir de preguntas incomodas y demás entrometimiento. Además aunque hubiese querido contar la verdad le hubiese sido imposible porque aquella gente no estaba preparada para oír la realidad sobre su descubrimiento. Era gente ignorante creyentes en la brujería y todo lo que no sabían explicar  lo achacaban a historias supersticiosas  … sacaban sus conclusiones de inmediato y actuaban ipso-facto de forma violenta. Jenny Hall creyó que Griffin había hechizado sus muebles cuándo los vió moverse sin más aparentemente.

Esto al margen de que las acciones de Griffin  que desde luego no son trigo limpio, pues se dedica a robar en el pueblo aprovechando su invisibilidad y el poder se le termina subiendo a la cabeza,  para acabar convertido en un villano de poca lucidez  un“científico loco” . Como explicación se dice que con la invisibilidad su estado mental se ve alterado y se vuelve  inestable

El Dr. Arthur Kemp  con quién se topa por casualidad, resulta ser un compañero con quien estudió en la universidad y le revela sus planes llamar a la policía se convierte en la prioridad de Kemp una vez Griffin le cuenta su descabellado plan … quiere aprovechar su estado para someter al país utilizando a Kemp para ello.

Kemp avisa  a la policía y hace él mismo de cebo con el objetivo de que sea atrapado y así resulta ser.
Esa persecución por parte de los ciudadanos acaba siendo el típico linchamiento y así  dan muerte a Griffin . Me recuerda un poco la historia de Mary Shelley y su Frankenstein en esa ocasión la gente veía a un ser grotesco y aquí no veían absolutamente nada pero el resultado es el mismo.

Lo que no se conoce genera miedo. El no conocer es sinónimo de ignorancia y el deseo de acabar con eso a lo que se teme llega a ser un deseo común, un “acto defensivo” que finalmente nos lleva a cometer el peor de los actos en los que puede incurrir un ser humano:  Un asesinato premeditado colectivo.

Sólo Kemp grita a los ciudadanos que no lo maten que es ser humano, y está herido e indefenso. pero su petición es ignorada por todos ellos que se han ensañado ya con Griffin . El cadáver, va recuperando entonces su “visibilidad” sólo para poner de manifiesto ante aquellas personas qué es lo que han terminado haciendo con un semejante . Horrorizados ante tan cruenta imagen tapan su rostro para no verlo.

Realmente increíble el relato de este escritor de imaginación sin límites.
Por otro lado encontramos la ya típica enseñanza de ese científico que en pro de la ciencia y el avance de ésta quiere alcanzar una meta que le sobrepasa, sin pensar en las consecuencias que pueden surgir de poder hacerse realidad su sueño, en este caso es la invisibilidad, pero claramente hay muchas otras cosas por desgracia, bastante menos ficticias y ahora no hablamos de literatura , cuyo resultado han sido monstruosos para la humanidad. por ejemplo “Little boy” el maldito artefacto que destruyó Hirosima y acabó con la segunda guerra mundial. y otros muchos que le suceden a partir de entonces porque, el ser humano no consigue aprender de su propia historia… si, a pesar de que dicen que los errores están ahí para aprender de ellos, vemos impotentes cómo siguen repitiéndose los mismos episodios de antes, solo nos queda pensar que la humanidad ha perdido el norte y caminamos sin rumbo.

CINE – FILMS

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El hombre invisible (The Invisible Man)  1933

producida por Universal Pictures dirigida por James Whale.

Música: Heinz Roemheld
Productor: Carl Laemmle, Jr.
Director: James Whale
Historia de: H. G. Wells
El reparto de actores fue el siguiente:
Claude Rains – Griffin

Gloria Stuart – Flora Cranley
William Harrigan – Dr. Arthur Kemp
Henry Travers – Doctor Cranley
Una O’Connor – Jenny Hall

Se estrenó el 15 de marzo de 1934 en España.

El film es considerado como uno de las grandes clásicos de terror de la Universal de los años 1930 y dio origen a varias continuaciones, así como muchas secuelas que usaban la idea de un «hombre invisible» pero tenían poca relación con la historia original de Wells. (The Invisible Man Returns (1940), La mujer invisible (The Invisible Woman, 1940) y El agente invisible (Invisible Agent, 1942).

Wells que llegó a ver el film, no estuvo de acuerdo con la personalidad que se le atribuyó al protagonista, que, a su parecer, actuaba más como un “chiflado” que como un “científico brillante” pero el director James Whale se limitó a afirmar que a nadie en su sano juicio se le habría ocurrido la idea de ser invisible!! ¡¡que no sea por falta de argumentos!!

H.G WELLS

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El autor de esta novela Wells a pesar de haber vivido las dos guerras mundiales, fue un hombre de ideas pacificas por las que lucho, no se dejó ganar por el pesimismo, hasta el final de sus días participo en campañas contra el armamento y a favor de una pacífica coexistencia
Aunque fantaseó en sus novelas con las más terribles catástrofes imaginables siempre creyó que la violencia debería de ser un pasatiempo literario sin más. Jamas debería de traspasar las páginas de un libro y mucho menos echar raíces fuera de ellas.

HG Wells fue un moralista y un intelectual preocupado por esos antagonismos que surgen y acaban llevando a la represión política, crímenes de Estado, revoluciones y  guerras.
Escribió una breve historia del mundo mostrando como las desgracias colectivas y los conflictos internacionales son responsabilidad de individuos o minorías de fanáticos. Y predicó la solidaridad humana por encima de las fronteras y las diferencias culturales.

 

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