Brandon Lee 2Hijo de Linda Emery y el mítico Bruce Lee maestro en artes marciales.

Obtuvo su primer trabajo profesional como actor en el film: Kung Fu: La Película,  que se estrenó el 1 de febrero de 1986, grabada con David Carradine, a través de la Cadena Televisiva ABC , justamente cuando Brandon cumplía 21 años de edad. Cómo resultado de la buena acogida en general, se realizó también una serie televisiva llamada: Kung Fu  ideada por su padre, y donde se le ofreció un papel secundario interpretando a un personaje llamado: “Chung Wang”

 

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Después obtuvo un papel cómo protagonista en Legacy of Rage un film de acción grabado en Honk kong y dirigido por Ronny Yu, junto a otros actores de reparto cómo Michael Wong, Regina Kent y Bolo Yeung  .

En éste film, que se estrenó el 20 de diciembre de 1986, interpretó el papel de Brandon Ma .

A pesar de que se le ofreció rodar la secuela de la pelicula, no accedió a ello ya que quería desvincular su nombre de el de su padre y realizar su propia trayectoria evitando las siempre odiosas comparaciones , por ello puso como punto de mira “Hollywood”

En junio de 1987 se estrena Kung Fu: The Next Generation continuacion de la serie de televisión Kung Fu. También apareció en la segunda temporada de la serie de televisión estadounidense Ohara protagonizada por Pat Morita  (el “señor Miyagi” en Karate Kid )

  • 1986 – (Kung Fu: La película) – Película de Televisión
  • 1987 – (Kung Fu: La próxima generación) –Episodio piloto, transmitido en el CBS Summer Playhouse
  • 1988 – (Ohara) – Episodio “What’s in a Name

En 1988, obtiene el papel de Michael Gold en la película de acción y espionaje Laser Mission al lado de Ernest Borgnine, y que se estrenó en noviembre de 1989 con muy bajo presupuesto.

En 1991 protagonizó Showdown in Little Tokyo, junto a Dolph Lundgren y es mediante su actuación en éste film de acción policial, que fué llamado para firmar un contrato en calidad de protagonista, con la cinematográfica  20th Century Fox para rodar  un número de tres películas. Brandon consigue de éste modo irrumpir dentro del cine norteaméricano, tal y cómo era su deseo inicial.

 TRES FILMS PARA LA 20th Century Fox

Rapid Fire  es la primera película realizada para la Century y que se estrena el 21 de agosto de 1992, en ella interpreta a Jake Lo. Por desgracia no pudo completar este contrato y las otras dos películas terminaron quedándose en el tintero.

Ese mismo año durante la promoción de Rapid fire en Suecia, el director Richard Holm le pide que realice un cameo para su película Sex, Lies and Video Violence, a lo que Brandon accede . No es hasta el año 2000, que se estrena , es decir, siete años después de la muerte de Lee.

NUEVO CONTRATO CON “Dimension Film”

Y es aquí cuándo la productora Dimension Films le ofrece, a través de Edward R. Pressman, un nuevo contrato para protagonizar tres películas. Una de ellas es tan sólo un proyecto, que consiste en la adaptación cinematográfica del comic de James O’Barr: The Crow. Lee que desea interpretar a Eric Draven convence a Pressman  para que le dé el papel, y lo consigue .

 

No sé si es mi destino el interpretar este papel, pero me siento muy afortunado de poder hacerlo. Es un papel maravilloso, realmente es un papel con el que puedes arriesgarte. Te da una oportunidad de tomar esos riesgos y llevarlos más allá. Porque dime ¿cómo se va a comportar alguien que regresa del más allá? Eso es lo que me gusta de interpretar a este personaje, es real… porque no hay reglas sobre como va a comportarse una persona que regresa de la muerte.

He hecho otras películas que han sido violentas, pero tengo que decir que nunca he hecho algo en donde sintiera que la violencia estaba tan justificada como en The Crow. No necesitamos preocuparnos por la compasión. Esto es justicia, sinceramente creo que si yo me encontrara en la misma situación haría exactamente lo mismo que él. El tiene asuntos que arreglar y está obligado a poner a un lado su propio dolor para cumplir su misión.

Brandon Lee

Falleció el 31 de marzo de 1993 a la edad de 28 años mientras rodaba una escena del film “The Crow” (el cuervo) .

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La escena consistia en que lee entraba al apartamento y descubría que su novia estaba siendo asaltada por unos “matones” , entonces se producía un forcejeo y uno de los villanos Funboy”  efectuaria disparos contra Lee con un revólver cargado con balas de fogueo pero algo falló y el disparo contra éste fué real.

Brandon se desplomó al recibir el impacto en el abdomen causado por el personaje que interpretaba el actor  Michael Massee a una distancia de entre 3,6 y 4,5 metros y que le causó la muerte horas más tarde.

Parece ser que el revólver que se utilizó (un Magnum del calibre 44) alojaba una bala antigua en el tambor que pasó desapercibida para uno de los encargados. La escena que sale en el film no es en la que murió realmente Brandon, en contra de lo que algunos creen. La fatídica escena se suprimió y fué regrabada.

Por petición de la novia y la madre del actor fallecido, el film pudo terminarse y ver la luz.

Se utilizaron dobles de cuerpo, y se superpuso la cara de Lee para los 52 planos que faltaban por rodar. Cuando se estrenó la película fue más un tributo o despedida hacía el actor que un estreno .

TRAILER DEL FILM (1994)


Otros Links:

El País : Las Catastróficas negligencias que acabaron matando a Brandon Lee.

 

Zelanda Wynn Valdes

Primera diseñadora de moda afroamericana

Más de medio siglo antes antes de que las modelos “curvies” llegasen a las pasarelas y a las portadas , hubo una diseñadora que supo ver qué son los vestidos que deben adaptarse a los cuerpos de las mujeres y no al revés.

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Se llamaba Zelda Wynn Valdés y en 1948 fue la primera modista afroamericana en abrir su propia tienda en Nueva York, “Ched Zelda”.
Su boutique se convirtió en un refugio para aquellas mujeres negras que estaban cansadas de sentir el racismo que imperaba entonces en la sociedad cada vez que iban a comprar ropa en las tiendas cuyos propietarios eran blancos; o para clientas blancas que buscaban prendas diferentes y geniales.
Por su taller pasaron personalidades y artistas como las cantantes josephine Baker , Gladys Knight, y Ella Fitzgerald, las actrices Mae West y Marlene Dietrich, la soprano Jessye Norman y la esposa de Nat King Cole, Marie Ellington, a quién Zelda le diseñó el traje de novia.

Creativa y solidaria

Todas aquellas celebridades y numerosas damas de la alta sociedad neoyorkina estaban dispuestas a pagar más de 1000 € de la época por lucir uno de los magníficos diseños de Valdés , cuya fama creció como la espuma . Tanto, que incluso el editor de la revista Playboy , Hugh Hefner, le llego a proponer que diseñará algunas prendas para las camareras de sus famosos clubes nocturnos como el mítico disfraz de conejita Playboy.

playboy

Además, Zelda también se dedicó al diseño teatral , llegando a crear el vestuario de más de 80 producciones del teatro de danza de Harlem, su principal ocupación hasta que murió, en el año 2001.

La importancia de esta gran mujer, que empezó su carrera en la sastrería de su tío, queda demostrada , no solo por su filosofía en contra de la tiranía de los cuerpos perfectos, si no también por su faceta más comprometida, que le llevo a fundar, junto con la pedagoga Mary McLeod Bethune. , la Asociación Nacional de moda y complementos, organización destinada a promover y dar oportunidades a los diseñadores afroamericanos.

La polémica

Según la actriz Maria Schneider el uso de la mantequilla a modo de lubricante nunca formó parte del guión. El director italiano siempre lo negó y achacó los problemas de la actriz a que no había sabido procesar adecuadamente la fama que le reportó la película, pero, en una entrevista en el 2013, Bertolucci reconoció que el detalle de la mantequilla se le había ocurrido a Brando el mismo día del rodaje, cuando desayunaban, y que ambos se lo habían ocultado a Schneider para que “su reacción fuera la de una chica no la de una actriz. Quería que sintiera la humillación, que gritara. Nunca me lo perdono”.

Tango-París


A esa sombra que acompañó su carrera se sumo el escaso éxito comercial que consiguió su siguiente trabajo, “Novecento” (1976) , epopeya de 4 horas sobre la lucha de clases en Italia de la primera mitad del siglo XX.

Empieza el 27 de enero de 1901, cuando, coincidiendo con la muerte del compositor Giuseppe Verdi , no nacen en la hacienda berlíng-hieri dos niños: Olmo, hijo de trabajadores de la finca (Gerarard Depardieu) y Alfredo, nieto del patriarca (Robert De Niro). Durante el rodaje de “Novecento” se había enamorado de la británica Clare Peploe, su ayudante de dirección , con la que, divorciado de su primer matrimonio en 1972, se casó en diciembre de 1978.

 

Tras las dos películas menores –“la luna” (1979) y “la historia de un hombre ridículo” ( 1981) – Bertolucci se apartó del cine. Volvería 6 años después, para afrontar una super producción al estilo de Hollywood:  “El último emperador” (1987) explicaba el trágico devenir de Pu Yi, último representante de la dinastía Manchú. Ganó 9 Óscar, incluyendo los de mejor película , mejor guión y mejor Director. Ningún cineasta italiano lo había logrado antes.

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Dolor y Final

Su siguiente reto fue la adaptación cinematográfica de la novela de Paul Bowles, “El cielo protector”, con Debra Winger y John Malkovich interpretando a una pareja neoyorquina que intenta empezar de nuevo en África.

 

Cada vez más interesado por el mundo interior, rodó “Pequeño Buda”, con Keanu Reeves.  Tras “Soñadores” en el 2003 , su dolor crónico de espalda se agravó por culpa de una caída y una fallida operación que lo dejo en silla de ruedas.

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En el 2013 , pareció recuperar la alegría y la actividad con la que sería su última película, “tú y yo” pero un cáncer acabó con su vida.

Murió el 26 de noviembre, a los 77 años, en su casa de Roma. Su capilla ardiente, instalada en el Ayuntamiento de la capital , permitió que miles de italianos despidieran a su director de cine más internacional.

Mas información

 

Bernardo Bertolucci


El último emperador del cine de autor italiano

Nació en Parma (Italia) el 16 de marzo de 1940 en el seno de una familia intelectual. Su padre, Attilio Bertolucci , era un reconocido poeta y crítico de cine. Su madre Ninetta Giovanardi, daba clases de literatura. El matrimonio tuvo otro hijo, Giuseppe.

La familia se mudó a Roma cuando era adolescente, instalándose en la misma casa del barrio del TrPier_Paolo_Pasoliniastevere dónde vivía Pier Paolo Pasolini. Gran amigo de su padre , éste le brindo la primera oportunidad en el cine cuando tenía 20 años, había ganado el premio Viareggio por el libro de poemas “In cerca del mistere”.

“Un día Pier me dijo: ¿Te gustan las películas verdad? Porque voy a rodar una y quiero que me hagas de asistente en la dirección se llama “Accattone”. – Le dije que nunca había hecho de asistente y me respondió que él tampoco había dirigido ninguna ninguna película”




En su adolescencia había grabado cortos con su hermano en super 8, dejó sus estudios en la Universidad de Roma para poner el primer peldaño de una sólida carrera cinematográfica. Un año después rodó “la commare secca” (1962)
Impresionante historia sobre la muerte de una prostituta en un suburbio de Roma. Ganó un premio en el Festival de Venecia, pero los críticos cinematográficos italianos cargaron contra el joven director.
Esa resutó ser una constante en su vida.
Nadie es profeta en su tierra  –  y Bertolucci no fué precisamente la excepción.

Sentido de justicia

En su segundo filme demostró que era un narrador con personalidad propia: “Antes de la revolución” (1964) protagonizada por Adriana Asti, con la que tuvo un romance, explicaba como un hombre adinerado se replanteaba su vida y sus ideas trás la muerte de un amigo.

Una lucha interior que era la suya propia: Nacido en una familia burguesa se había afiliado al Partido Comunista por su sentido de justicia social y su aversión a la corrupción de la política italiana.

Los críticos volvieron a ser duros con la película (con música de Ennio Morricone), pero él no se rindió. Al poco, estrenaría dos de sus mejores trabajos: “La estrategia de la araña” (1970) y “el conformista”, del mismo año. Basadas en texto de Jorge Luis Borges y Alberto Moravia, ambas son reflexiones sobre el pasado fascista de Italia y tuvieron como director de fotografía al genial Vittorio Storaro , arrancando una longeva relación profesional entre ambos a la que Bertolucci se refería, con humor, como “la más apasionada historia de amor de mi vida” .
Con el cine como el eje principal de su vida, su esposa en la vida real, la escenógrafa María Paola Maino, se encargaba de la dirección artística de sus películas.

 

 

Su filme más erótico

“El conformista” influyó decisivamente en toda una generación de directores – especialmente en Francis Ford Coppola – que la estudió antes de dirigir “El padrino” – pero el pasaporte a la fama internacional de este hombre simpático, culto y de Psicología complicada fue “El último tango en París” que ingresó en la antología de filmes escandalosos de la historia del cine desde su presentación, en el Festival de Nueva York , en 1972.

La historia narra la relación sexual al límite en un apartamento abandonado de París entre Paul , un hombre maduro y viudo, y Jeanne , una joven de 19 años. Jean Louis Trintignant y Dominique Sanda tenían que protagonizarla, pero la timidez del primero y el embarazo de la segunda hicieron que Bertolucci le enviará el guión a Marlon Brando ( que estaba en la cima de su carrera y lo aceptó encantado) y optara por Maria Schneider una actriz totalmente desconocida, para el personaje de la joven amante. Quizás el cambio en el casting fue el secreto del éxito , pero lo cierto es que el film se convirtió en uno de los grandes títulos del cine de todas las épocas. Solo en EEUU recaudo 36 millones de dólares en taquilla y opto a dos Óscar (mejor director y mejor actor)

PROHIBICIÓN Y CASTIGO

Muy diferente fue el la cosa en Italia,  donde el Tribunal Supremo ordeno la destrucción de todas las copias y condenó a Bertolucci a estar 5 años sin derechos civiles por una ofensa al ” sentido común del pudor”.

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Marlon Brando y Maria Schneider (El último Tango en París)

También en la España franquista prohibió tajantemente su exhibición , dando lugar al curioso fenómeno de los peregrinos del erotismo: Cientos de españoles que, cruzaban la frontera para hacer larguísimas colas y ver la peli en los cines de Perpignan.


El último Tango en París consagró a Bertolucci como el gran director de la transgresión , pero también le persiguió durante toda su vida. Hasta su Muerte en el 2011,

Maria Schneider le acusó de que el abuso que había sentido durante el rodaje de la escena en la que el personaje era sodomizado la había hundido la vida, abocandola a las drogas y el desorden mental.

continua…

Film: Go Johnny Go


Ficha técnica:

Director Paul Landres
Fotografía Ed Fitzgerald – Jack Etra
Edicción : Walter Hannemann.
Productor. Alan Freed
Dirección artística McClure Capps
Guion : Gary Alexander
Características: 74 minutos de duración en blanco y negro.
Fecha de estreno: Junio 1959
Reparto: Alan Freed, Jimmy Clanton, Sandy Stewart, Chuck Berry, Jackie Wilson, Ritchie Valens, The Cadillacs, Jo Ann Campbell, The Flamingos, Harvey, Eddie Cochran, Herb Vigran, Frank Wilcox, Barbara Woodell, Milton Frame, Joe Cranston. Martha Wentworth, Robert Foulk, Phil Arnold, William Fawcett.

Sinopsis
Alan Freed narra la historia de como descubrió a su estrella Johnny Melody, a través de un concurso convocado para lanzar a un nuevo artista al que bautizar con ese nombre. Entre todas las demos recibidas , la que llama su atención es una que llega sin remitente por lo qué Freed tendrá que emplearse a fondo para encontrar al anónimo intérprete, quien resulta ser un joven huérfano ansioso por triunfar cómo cantante que no se ha enterado del revuelo que ha provocado su grabación.
……….
En la segunda mitad de 1958, Alan Freed llego a un acuerdo con Hal Roach Jr para que éste financiara la realización de dos nuevas películas que incluirían la presencia del afamado DJ y se lo darían íntegramente en los californianos estudios de Culver City qué Roach había comprado a su padre cuando éste decidió retirarse a mediados de la década. Estaba previsto que los títulos de las producciones fueran “The swinging story of Johnny Melody” y ” The Alan Freed rock and roll story pero pronto quedó claro que las habilidades empresariales de Hal no tenían nada que ver con las de su progenitor y la compañía terminó quebrando antes de que se llegara a plantear el rodaje de la segunda película acordada.
En cualquier caso el 26 de enero de 1959 Variety informaba de qué The Swingin Story of Johnny Melody – según otros medios el primer título habría sido en realidad “The Singin, story of Johnny Rock and roll” o simplemente “Johnny Melody” – sería finalmente estrenada como “Go Johnny Go”
El rodaje abarcó las últimas tres semanas de ese mes de enero desarrollándose sin mayores problemas y consiguiendo crear un producto que, a pesar de repetir patrones , conseguía un resultado marcadamente superior al compararlo con las cuatro anteriores intervenciones cinematográficas de Alan Freed.
La práctica totalidad de los artistas contratados para actuar en el film habían aparecido en el Alan’s Feeds Christmas Jubilee of stars , un Package show que desde el día de Navidad de 1958 y durante 11 jornadas consecutivas, ofreció en el Loew’s state Theatre de Nueva York, la actuación de una selección de intérpretes que incluía a Chuck Berry, Eddie Cochran, Ritchie Valens, The Cadillacs, Jackie Wilson, todos ellos presentes en Go Johnny go, o también, The Everly Brothers, Bo Diddley, Frankie Avalon, The Crest, The Royal Teens y Johnny Ray.

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Un espectáculo de éxito abrumador reflejado en los alrededor de 225000 dolares de recaudación .
El ánimo the Alan Freed necesitaba de triunfos similares para empezar el año 1959 con las fuerzas necesarias. Aún estaban recientes los disturbios ocurridos en Boston durante uno de los multitudinarios conciertos por él organizados, así como la rescisión de su contrato con WINS, la emisora de radio para la que había trabajado desde su llegada a Nueva York. Por si no bastará con tener dificultades legales y laborales, durante ese mismo 1958 se divorció de su segunda mujer, perdiendo la custodia de los dos hijos que el matrimonio tenía en común . Pero como no todo podía ser negativo, poco después de obtener la sentencia de divorcio Freed se casó por tercera vez. De igual manera no tardo en firmar un lucrativo contrato con la emisora WABC a cambio de 40.000 $ al año, lo que supuso un pequeño alivio para su castigada economía.

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Chuck Berry tenía también sus propias dificultades. La principal estrella de Go Johnny Go había sido arrestada en dos ocasiones durante el verano de 1958, multas por irregularidades en el registro de su vehículo, conducción temeraria, ocultación de un arma y por tener el permiso de conducir caducado. Aunque Chuck estaba convencido de encontrarse en el centro de una campaña de desprestigio su actitud arrogante y una irremediable atracción por el sexo opuesto despertaba la animosidad de aquellos que no veían con buenos ojos los logros conseguidos por el cantante guitarristata. Logros que solo en ese año se resumían citando éxitos como “Sweet little sixteen”, “Carol” o “Sweet little rock and roller” ; además de “Johnny be good”, cuyo estribillo había servido para dar su título definitivo a “Go johnny go” . De los dos temas que interpreta en la película “Little Queenie” es el que mejores ventas alcanzaría en los Estados Unidos, si bien “Memphis, Tennessee” se posicionaría mejor en los charts ingleses. Por otra parte y entrando ya en el terreno de lo anecdótico, cuando Chuck Berry aparece cantando Little Quinny en pantalla se puede ver a Alan Freed simulando acompañarle a la batería con gesto forzado.
Pero sigamos con los problemas legales de Berry , porque el mayor de ellos estaba aun por llegar… después de varias tentativas , en diciembre de 1959 fue detenido por violar el acta de Mann una ley federal qué prohíbe transportar mujeres de un estado a otro con propósitos inmorales y que, en la práctica, se usaba para condenar a aquellos hombres que habían mantenido relaciones sexuales con una menor. El bueno de Chuck había conocido a una joven llamada Janice Escalante en la población mexicana de Ciudad Juárez, ofreciendo de un trabajo en su club sin preocuparse por averiguar cuántos años tenía. Supo que era menor de edad cuando la policía ha aparecido por el local para interrogarle. En marzo de 1960 una sentencia judicial le condenaba a 5 años de prisión y 5000 $ de multa aunque, tras recurrir finalmente se redujo la pena a 3 años, manteniéndose el importe de la multa. Después de cumplir casi 2 años de internamiento, Berry fue puesto en libertad y retomó su carrera dónde la había dejado . Y habiendo cambiado, pues su carácter se había agriado, pero el reconocimiento de los grupos que protagonizaron la llamada British invasión sirvió, al menos, para compensarle moralmente por los malos tragos pasados.

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Go Johnny go , además de interpretar “Little Queenie” y “Memphis Tennessee” Chuck Berry tiene un papel destacado compartiendo con Alan Freed un desmedido entusiasmo por Johny Melody, personaje interpretado por Jimmy Clanton. Este cantante originario de Louisiana había logrado un gran éxito con “Just a dream” poco antes de ser reclutado para encarnar al protagonista del film que nos ocupa, interpretando una colección de temas entre los que destacan “it takes a long long time” “ángel face” y “Ship on a stormy Sea” junto a él aparece la cantante Sandy Stewart quién aprovecha para repasar “heavenly Father” y “Playmates” temas que el sello Atco clasificaría para su puesta a la venta en marzo de 1959.

continua

La Jetée 1962

“Esta es la historia de un hombre marcado por una imagen de su infancia” / La Jetee 1962

SECUENCIA DE LA JETÉE

En contexto

Género: Fantástico
Dirección: Chris Marker
Guion: Chris Marker
Reparto: Jean Negroni, Davos Hanich, Helene Chatelain , Jacques Ledoux

Dirigida por el enigmático Marker La Jetee  (El muelle)  es un clásico del género fantástico que conserva su capacidad de impresionar al espectador pese a que es el remake de Terry Gilliam, 12 monos (1995) , le haya hecho sombra. No obstante, las dos películas no podrían ser más diferentes.
Con menos de 30 minutos de duración y compuesta casi por completo por fotografías fijas, La Jetée describe el viaje de un hombre al pasado , dónde presencia un trágico acontecimiento que determina su vida desde la infancia .

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Un sueño casi olvidado

Mundo post apocalíptico que presenta esta película no es desasosiega de manera sutil. La dulce Voz del narrador introduze al espectador en la piel del protagonista, mientras oye los murmullos que los científicos amorales que urden sus planes este es el único diálogo de la película.
Viene precisamente en este silencio y de la inmovilidad.
En este film el viaje en el tiempo sirve de pretexto para examinar la naturaleza de la memoria. El protagonista observa y vive momentos del pasado, una visita a un museo, una cita amorosa y sobre todo el suceso traumático que ha forjado su carácter. Sin embargo el hecho de ser consciente de este suceso diluye su realidad. La película sugiere que lo que pertenece al pasado no existe más que como una breve imagen instantánea, una fotografía, de imágenes fijas para estructurar la historia. El viaje emocional del protagonista queda compensado por la reflexión filosófica en uno de los finales del mundo más inimaginables que ha mostrado jamás el cine.

Se realizó filmando una serie de fotografías que dan contexto a la narración que las acompaña y apenas cuenta con una breve secuencia de imágenes en movimiento.

12 monos (1995), de Terry Gilliam, se inspiró en La Jetée.

*David Bowie también se inspiró en esta película para el videoclip de la canción Jump, They Say (1993), dirigido por Mark Romanek.

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Chris Marker

 1921–2012

Christian François Bouche-Villeneuve

Chris Marker nació el 29 de julio de 1921 en Neuilly-sur-Seine, Hauts-de-Seine, Francia como Christian François Bouche-Villeneuve. Fue director y escritor, conocido por Doce monos (1995), Sans soleil (1983) y Description d’un combat (1960).

Murió el 29 de julio de 2012 en París, Francia.


Antes
1953 Marker trabaja con Alain Resnais en el controvertido sí sobre el arte africano: Las estatuas también mueren

Después

1977 en Le Fond de l`air est rouge , Marker documenta el radicalismo político tras las revueltas de mayo de 1968

1983 Marker amplía los límites del documental con Sans Soleil una reflexión sobre la historia del mundo y la incapacidad de la memoria para recuperar el contexto y los matices.


Filmografía adicciónal

El último hombre vivo 1971
Cuando El destino nos alcance 1973
Mad Max 1979
12 monos 1995
La carretera 2009


Información extraida: * Wikipedia, * El libro del Cine.

Hoy estuve  releyendo la novela escrita por H.G Wells, una de las que se encuentra entre mis preferidas desde la niñez, ya que siempre me ha llamó la atención y en la infancia hay conceptos que se hacen sumamente atractivos… a lo largo de la historia he podido ver además diversas películas o film basados en esta obra : el hombre invisible.

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El hombre invisible , novela de H.G Wells se publicó en 1897.

Son pocos los personajes interactuan en ella:

Griffin: el hombre invisible Jenny Hall – Dr. Arthur Kemp – Thomas Marvel.
Todo un clásico donde los haya y de obligada lectura, de la que se extrae siempre una lección importante o varias.

En esta ocasión en concreto  me llamó la atención la ignorancia de aquellos que se cruzan en el camino de “el hombre invisible”. Este personaje llamado Griffin que acaba siendo víctima de su propio ingenio, ya que mediante un accidente no puede volver a mostrarse tal y como era antes “visible” al resto

Al principio resulta pedante , engreído de una forma en la que casi llega a caerte mal , pero luego empatizas con la situación y se entienden ciertas actuaciones cortantes y frías con las que sólo intenta huir de preguntas incomodas y demás entrometimiento. Además aunque hubiese querido contar la verdad le hubiese sido imposible porque aquella gente no estaba preparada para oír la realidad sobre su descubrimiento. Era gente ignorante creyentes en la brujería y todo lo que no sabían explicar  lo achacaban a historias supersticiosas  … sacaban sus conclusiones de inmediato y actuaban ipso-facto de forma violenta. Jenny Hall creyó que Griffin había hechizado sus muebles cuándo los vió moverse sin más aparentemente.

Esto al margen de que las acciones de Griffin  que desde luego no son trigo limpio, pues se dedica a robar en el pueblo aprovechando su invisibilidad y el poder se le termina subiendo a la cabeza,  para acabar convertido en un villano de poca lucidez  un“científico loco” . Como explicación se dice que con la invisibilidad su estado mental se ve alterado y se vuelve  inestable

El Dr. Arthur Kemp  con quién se topa por casualidad, resulta ser un compañero con quien estudió en la universidad y le revela sus planes llamar a la policía se convierte en la prioridad de Kemp una vez Griffin le cuenta su descabellado plan … quiere aprovechar su estado para someter al país utilizando a Kemp para ello.

Kemp avisa  a la policía y hace él mismo de cebo con el objetivo de que sea atrapado y así resulta ser.
Esa persecución por parte de los ciudadanos acaba siendo el típico linchamiento y así  dan muerte a Griffin . Me recuerda un poco la historia de Mary Shelley y su Frankenstein en esa ocasión la gente veía a un ser grotesco y aquí no veían absolutamente nada pero el resultado es el mismo.

Lo que no se conoce genera miedo. El no conocer es sinónimo de ignorancia y el deseo de acabar con eso a lo que se teme llega a ser un deseo común, un “acto defensivo” que finalmente nos lleva a cometer el peor de los actos en los que puede incurrir un ser humano:  Un asesinato premeditado colectivo.

Sólo Kemp grita a los ciudadanos que no lo maten que es ser humano, y está herido e indefenso. pero su petición es ignorada por todos ellos que se han ensañado ya con Griffin . El cadáver, va recuperando entonces su “visibilidad” sólo para poner de manifiesto ante aquellas personas qué es lo que han terminado haciendo con un semejante . Horrorizados ante tan cruenta imagen tapan su rostro para no verlo.

Realmente increíble el relato de este escritor de imaginación sin límites.
Por otro lado encontramos la ya típica enseñanza de ese científico que en pro de la ciencia y el avance de ésta quiere alcanzar una meta que le sobrepasa, sin pensar en las consecuencias que pueden surgir de poder hacerse realidad su sueño, en este caso es la invisibilidad, pero claramente hay muchas otras cosas por desgracia, bastante menos ficticias y ahora no hablamos de literatura , cuyo resultado han sido monstruosos para la humanidad. por ejemplo “Little boy” el maldito artefacto que destruyó Hirosima y acabó con la segunda guerra mundial. y otros muchos que le suceden a partir de entonces porque, el ser humano no consigue aprender de su propia historia… si, a pesar de que dicen que los errores están ahí para aprender de ellos, vemos impotentes cómo siguen repitiéndose los mismos episodios de antes, solo nos queda pensar que la humanidad ha perdido el norte y caminamos sin rumbo.

CINE – FILMS

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El hombre invisible (The Invisible Man)  1933

producida por Universal Pictures dirigida por James Whale.

Música: Heinz Roemheld
Productor: Carl Laemmle, Jr.
Director: James Whale
Historia de: H. G. Wells
El reparto de actores fue el siguiente:
Claude Rains – Griffin

Gloria Stuart – Flora Cranley
William Harrigan – Dr. Arthur Kemp
Henry Travers – Doctor Cranley
Una O’Connor – Jenny Hall

Se estrenó el 15 de marzo de 1934 en España.

El film es considerado como uno de las grandes clásicos de terror de la Universal de los años 1930 y dio origen a varias continuaciones, así como muchas secuelas que usaban la idea de un «hombre invisible» pero tenían poca relación con la historia original de Wells. (The Invisible Man Returns (1940), La mujer invisible (The Invisible Woman, 1940) y El agente invisible (Invisible Agent, 1942).

Wells que llegó a ver el film, no estuvo de acuerdo con la personalidad que se le atribuyó al protagonista, que, a su parecer, actuaba más como un “chiflado” que como un “científico brillante” pero el director James Whale se limitó a afirmar que a nadie en su sano juicio se le habría ocurrido la idea de ser invisible!! ¡¡que no sea por falta de argumentos!!

H.G WELLS

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El autor de esta novela Wells a pesar de haber vivido las dos guerras mundiales, fue un hombre de ideas pacificas por las que lucho, no se dejó ganar por el pesimismo, hasta el final de sus días participo en campañas contra el armamento y a favor de una pacífica coexistencia
Aunque fantaseó en sus novelas con las más terribles catástrofes imaginables siempre creyó que la violencia debería de ser un pasatiempo literario sin más. Jamas debería de traspasar las páginas de un libro y mucho menos echar raíces fuera de ellas.

HG Wells fue un moralista y un intelectual preocupado por esos antagonismos que surgen y acaban llevando a la represión política, crímenes de Estado, revoluciones y  guerras.
Escribió una breve historia del mundo mostrando como las desgracias colectivas y los conflictos internacionales son responsabilidad de individuos o minorías de fanáticos. Y predicó la solidaridad humana por encima de las fronteras y las diferencias culturales.

 

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EL Protegido (unbreakable)

Fecha de estreno 12 de enero de 2001 (1h 46min)
Dirigida por M. Night Shyamalan
Reparto Bruce Willis, Samuel L. Jackson, Robin Wright
Géneros Suspense, Fantasía
País EE.UU.
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Otro Film dirigido por M. Night Shyamalan (El sexto sentido, múltiple) en éste film que dio comienzo a lo que sería después una trilogía, junto a “Multiple” y “Glass” que se estrenará en breve, y dónde ambos films interactuarán entre ellos y sus personajes.
El protegido es un guiño al mundo del cómic y a los super héroes, de hecho pretende narrar el nacimiento de uno de ellos.
David Dumm (Bruce Willis) casado y con un hijo se encuentra en plena crisis matrimonial, trabaja como vigilante de seguridad y debido a un cruel accidente, tendrá que hacer frente a sus temores más ocultos, irá asimilando poco a poco en un proceso continuado y con la guía de Elijah Price (Samuel L. Jackson) a aceptar que posee ciertos “talentos” e intuición” de la que los demás carecen.
Su hijo Joseph, (Spencer Treat Clark) también le ayudará a reconocerse cómo “alguien muy especial” ya que posee en su padre una absoluta fe y reconoce que su fortaleza es inusual…
La trama transcurre por un lado con el desconcierto de David, la incredulidad por parte de su esposa (Robin Wright) y la complicidad de su hijo en que su padre es “distinto”, mientras que por el otro están las continuas interacciones entre David y Elijah Price que le irán llevando a la absoluta convicción de que ciertos hechos no son fruto de la casualidad: ni su inmunidad a los accidentes, ni su trabajo como guardia de seguridad
Elijah le irá mostrando todas éstas cosas, es una persona aquejada desde su más tierna infancia con osteogénesis imperfecta la enfermedad conocida como “huesos de cristal” e intenta paliar su infortunio refugiándose en el mundo del cómic.
Debido a ésta penosa enfermedad, pasa la mayor parte del tiempo en hospitales, allí desarrolla una teoría: si hay una persona cómo él (que se quiebra ante el mínimo movimiento “brusco”) ha de existir también su antitipo … alguien que sea todo lo que él no es, alguien “inquebrantable” …
De éste modo comienza una búsqueda exhaustiva y obsesiva, la cuál llega a convertirse en el objetivo principal de su vida: Encontrar a su antitipo cueste lo que cueste.

 

El Film es distraído y mantiene la expectación . Una de las cosas que más me han gustado es ver la absoluta fe del pequeño Joseph en su padre . Está tan sumamente convencido de que no le ocurrirá nada pase lo que pase, que llega a alcanzar límites que nos parecerían irracionales , no se trata de fe en plan “credulidad” sino de una absoluta convicción con una base firmemente establecida. También es notable la complicidad que llega a surgir entre ambos, ésto hace que su relación como padre e hijo se fortalezca de un modo que no se había podido forjar antes de eso.
El principio del film impacta cuándo en un flash back acudimos al nacimiento de Elijah, que nace ya con diversos huesos rotos a consecuencia del parto, desarrollas empatía con el personaje al ver su sufrimiento. En el segundo flashback, vemos a Elijah de niño con pocos años que, tras volver del hospital se niega a salir a la calle a jugar con otros niños, es consciente de que sufrirá algún daño y tiene miedo, en ésta ocasión es su madre quién ha de motivarle, y lo hace dejándole un regalo en el banco que hay frente a su casa.
Le dice que si lo quiere habrá de salir a buscarlo...  de éste modo consigue que el pequeño salga a la calle cada semana en busca de su “regalo” que resulta ser un número de un cómic. Se deduce que la implicación de Eliah y el mundo del cómic nace a partir de éste momento.
Otro punto a favor es saber que estás en el comienzo de una trilogía, y que estás en los inicios de una historia que aún está por desarrollarse, su director la estaba creando a sabiendas de qué eventos vendrían después, de hecho, pospuso en pro de sus films posteriores alguna que otra cosa que en principio había pensado desarrollar aquí. 
Puede que también influya en mi visión el haber visto primero “Multiple” (la segunda de la trilogía) antes que ésta, su predecesora, y quizá por esa razón esperaba algo más de ella.
No obstante consigue mantener el interés al ir descubriendo qué es lo que diferencia a David del resto de las personas. Las visiones que logra contemplar tan sólo con tener un pequeño contacto literal con extraños son una pruebe de ello… tiene el don de percibir “el mal” y ésto le convierte en la persona perfecta para poder combatirlo.
Es a raíz de ahí cuándo al fin todas las interrogantes que se han abierto van siendo contestadas. Tras detectar a una persona que está a punto de cometer un crimen actúa para evitarlo.
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Aquí nos damos cuenta de que Elijah tiene razón …David no es un hombre cualquiera, estamos ante el nacimiento de un súperhéroe y también de un villano!!  tal y cómo quiere plasmarlo el director del film M. Night Shyamalan , cuya fama va en aumento desde aquél impactante final en la película (que también interpretó Bruce Willis) “El sexto sentido” (final que dejó a medio mundo perplejo) y que pretende dejar ese mismo sello que le caracteriza en el desenlace final de “El protegido”, aunque sinceramente, se puso a sí mismo el listón muy alto.
Quizá le hubiese venido bien al film algo más de dinamismo, pero el personaje que interpreta Bruce Willis es el de un hombre apático , carente de ilusiones, absolutamente desmotivado y abatido, sumido en un declive que no parece tener solución. Esta situación que parecía irreversible tendrá un giro de 90 grados.
En resumen, un film ameno que terminé aunando en mi mente a su sucesor , y que deja abiertas las puertas para que surja ese esperado desenlace final dónde David Dum tendrá que verse las caras con su antagonista, a quién desenmascara justo al final de ésta película para que, en un futuro cercano, puedan ajustar esas cuentas que tienen pendientes … y lo harán en “Cristal” (que se estrena en breve…)
Si piensas ver alguno de éstos tres films , te recomiendo que empieces por éste…

Walter Plunkett (1902-1982)

Walter Plunkett

Fecha de nacimiento: 5 de junio de 1902, Oakland, California (Estados Unidos)
Fallecimiento: 8 de marzo de 1982, Santa Mónica, California (Estados Unidos)
Hijos: Lee Plunkett
Padres: Frances Plunkett, James Plunkett
Educación: Universidad de California, Oakland High School, Universidad de California en Berkeley
Premios: Oscar al mejor diseño de vestuario, Costume Designers Guild Hall of Fame Award

Gran diseñador nacido en California . En 1923 se trasladó a New York donde comienza  a trabajar como actor, a la vez que diseñaba escenografía y vestuario de las puestas en que participaba. Más tarde probó suerte en Hollywood dónde trabajó como figurante en algunas producciones .

En La viuda alegre (1925), de Erich von Stroheim, se le puede ver bailando con Irene, otra futura gran diseñadora. En 1927, debuta como diseñador de vestuario  en el film “Hard-Boiled Haggerty” para FBO Studios (más tarde conocida cómo RKO Pictures)

Una vez dijo que le encantaba trabajar en películas de época porque los productores rara vez conocían lo suficiente las modas de la época como para discutir con él.

Katharine Hepburn, a quien Plunkett había vestido en más de siete films, estaba al principio interesada en realizar el papel de Scarlet O’Hara en Lo que el viento se llevó . Ella le recomendó el libro a Plunkett quién después de leerlo hizo que su agente escribiese a David Selznick para ofrecerse como diseñador de vestuario.

Selznick conocía bien sus habilidades, (Walter había diseñado los trajes para “Mujercitas” de Selznick, que también fue ambientada en la década de 1860.)
Tras dimitir en 1935, Plunkett siguió trabajando en Hollywood como diseñador de forma independiente y se le reconocieron más de 260 películas.

Algunos de los films dónde trabajó: Little Women (1933) Alice Adams (1935), A Woman Rebels (1936), Gone With the Wind (1939), Summer Stock (1950), Flying Down to Rio (1933), An American in Paris (1950), Singing In The Rain (1952), Kiss Me Kate (1953), Seven Brides for Seven Brothers (1954), Two Weeks In Another Town (1962).

Walter Plunkett algunos diseños.

  • Katharine Hepburn usó el primer vestido de la imagen, lana de cuadros azules en la versión original de “Little Women” film de RKO (1933) vestido que, por cierto, le encantaba.

  • En la segunda imagen vemos un vestido de época confeccionado también para Katharine Hepburn en “A Woman Rebel’s” (RKO 1936).

Se trata de una pieza extraordinaria dentro de la historia del cine en Hollywood. Vestido de lunares dos piezas , color púrpura y rosa que la legendaria Hepburn usó en una de sus primeros films para RKO. Walter Plunkett

  • El tercer vestido también  diseñado por Walter Plunkett , en ésta ocasión para la actriz Elizabeth Taylor.

Compuesto de corpiño de tafetán color malva con mangas enteras de capas de tul y finos bordados de flores malvas, la falda larga de algodón, color marfil con los correspondientes bordados de flores malvas  y sombrilla a modo de complemento. En la foto se puede observar el diseño del vestuario original de Walter Plunkett (grafito y acuarela sobre cartulina) firmado por Walter Plunkett,

– Lo luce Elizabeth Taylor interpretando al personaje de Susanna Drake en la película de M.G.M. Raintree County en 1957.

  • Magnífico vestido champán de terciopelo con incrustaciones de perlas que luce la mítica actriz Lana Turner en el film “Diane” de  1955 (diseño de Walter Plunkett.)

El traje está compuesto por un corpiño ajustado de escote cuadrado y mangas acampanadas muy largas. La falda a juego confeccionada con terciopelo largo. El vestuario incluia los zapatos de seda crudo que Lana llevó en la película.

Lana Turner representó el papel de Diane en este drama de opulento vestuario. La película fue un importante proyecto para MGM cuyo lema venía siendo el de “no escatimar gastos”.

Plunkett diseñó los vestidos para Lana Turner en los siguientes films : Green Dolphin Street” (1947)Los tres mosqueteros (1948), Mr. Imperium” (1951) y “Diane” (1956).
La obra más conocida y emblemática del diseñador se concentra muy especialmente en dos películas, “Lo que el viento se llevó” (1939) y “Cantando bajo la lluvia” (1952),

Para Lo que el viento se llevó, creó más de 5.000 prendas de vestir distintas para más de cincuenta actores.

Para Lo que el viento se llevó,  fue el creador de uno de los más famosos trajes de cine vivian_leigh_mylastsin.com_00jamás realizados: el vestido de terciopelo verde musgo, hecho con las cortinas de la familia, que Scarlet O’Hara usa para disuadir a Rhett Butler de que se casase con ella.

Plunkett comparó los cambios en las circunstancias de la vida de Scarlet al vestirla de organza ligera, tul y algodón en la primera mitad de la película.

En la segunda mitad, con el fin de mostrar su renovado nivel de riqueza después de su matrimonio, la vistió con telas de seda y vestidos de terciopelo de variados matices.

Walter Plunkett sería nominado diez veces para el Premio de la Academia. En 1951, fue finalmente reconocido por la Academia con “Un Americano en París. Compartió el premio con otros diseñadores : Orry-Kelly e Irene Sharaff.

Walter era muy querido por su generosidad y sencillez así como por su ingenio e inventiva. Se retiró del cine y pasó los últimos años de su vida con su compañero Lee a quién dejó su herencia cuándo murió en 1982.

“Vogue”,“moda”, es el primer sencillo de su álbum “I`m Breathless”, que fue un rotundo éxito. Ganó tres premios MTV Video Music Awards​ y llegó a ser número 1 en más de 30 países.

En el videoclip del tema dirigido por David Fincher, se incluyen pinturas de Tamara de Lempicka, como ya lo hizo en Open your Heart  en el que durante los primeros diez segundos se puede observar la entrada a un teatro erótico decorado con un collage de dos pinturas de Tamara: Andrómeda y La bella Rafaela.

En otro video “Deeper and deeper”, Madonna personifica a una mujer glamorosa conduciendo un auto descapotable, igual al famoso autorretrato de Tamara.

Por ultimo en Drowned World/Substitute for Love Madonna cruza un pasillo en el que hay dos cuadros colgados en la pared, uno de ellos es Nana de Herrera.

Las obras de Lempicka que posee y que cuelgan de las paredes de su casa de Nueva York son : Andrómeda, Nana de Herrera, Nue à la colombe, la cuarta la desconocemos.

   Apartamento de Madonna y su decorador, con las obras de Tamara.

 

El actor Jack Nicholson tiene 5 pinturas de Lempicka y es uno de los más grandes coleccionistas de arte de Hollywood,

En 1994 Barbra Streisand vendio en subasta su colección Art Déco y Art Nouveau por 5,8 millones de dólares…. 2 millones procedían de un solo cuadro: Adán y Eva, de Tamara de Lempicka!!

Como veis Tamara de Lempicka sigue siendo pura actualidad.